Аккордный подряд или балалайка сегодня
Российские мастера музыкальных инструментов работают для души, для славы и в знак протеста. Бизнесом всю эту деятельность назвать язык не поворачивается. Тем не менее, в России создаются и, что самое удивительное, покупаются уникальные скрипки по $10 тыс., гитары по $2 тыс. и даже бесценные инструменты эпохи Ренессанса.
Несколько лет назад в итальянской Кремоне разразился скандал. Один из мастеров скрипичных дел (в Кремоне их более двух сотен) был пойман на ввозе дешевых китайских заготовок, которые потом покрывались лаком и продавались под лейблом кремон ца. Стоимость новой скрипки с родины Амати и Страдивари иной раз доходит до $50 тыс. Китай в настоящее время поставляет на мировой рынок 240 тыс. довольно качественных музыкальных инструментов в год, и это очень тревожит законодателей музыкальной моды.
А вот российские мастера мировую общественность тревожат не слишком.
Прародители баянов и балалаек
Мастеров-кустарей в России всегда было стабильно мало — не больше чем по несколько десятков в десятилетие. Наверное, потому, говорят нынешние мастера, что в России классическая музыка появилась поздно — в XIX веке, а музыкально развитая с XVI века Европа к этому времени уже имела разветвленную индустрию музыки.
Первым русским музыкальным мастером был ше реметьевский крепостной Иван Батов. Он делал скрипки и гитары (на батовской гитаре играла цыганская муза Пушкина — знаменитая певица Татьяна Демьянова). С тех пор мастера не переводились
— стабильно малочисленные, но изобретательные. Так, Леонтий Чулков и Николай Белобородов в конце XIX века изобрели прародительницу баяна, хроматическую гармонь, имеющую диапазон почти три октавы.
В начале прошлого века мастер Иван Красноще ков создал нечто подобное мануфактуре музыкальных инструментов, однако мануфактура была сметена революционными событиями и больше не восстановилась.
В советское время работало несколько уникальных мастеров, таких, например, как скрипичный мастер Лев Горшков (его сын Борис и сейчас делает скрипки). А в советское время на звание школы мастеров музыкальных инструментов, пожалуй, может претендовать только закрытое, полуподпольное соо бщество музыкантов и мастеров аутентичной музыки, возникшее в 1970-е годы в Ленинграде и в начале 1990-х благополучно почившее в бозе.
Выбор гитарреро
Деятельность современных музыкальных мастеров отдает диссидентством . «Для нас это не бизнес, — говорят российские мастера, — это ремесло».
Так, например, очень востребованы гитары мастера Тимофея Ткача. Пока он сделал 50 гитар, из них поло вину за последние три года, когда качество инструментов стало более или менее стабильным. Ткач приобрел имя, его гитары продаются почти за $2 тыс., а играют на них почти знаменитости, например 26-летний лау реат международных конкурсов Дмитрий Нилов. Правда, гитары испанского мастера Хосе Рамиреса третьего (к инструментам которого, утверждают эксперты, очень близки по качеству некоторые гитары Ткача) продаются существенно дороже — по $10— 15 тыс., и играет на них звезда первой величины Пепе Ромеро. И хотя Пепе Ромеро во время визита Москву оставил Ткачу лестный автограф ( un gran gitarrero — большому стало быть, мастеру гитары), по купать у него инструмент не стал.
Производство классической гитары — дело довольно дорогое, материалы — ель для верхней деки, палисандр или кипарис для нижней и обечаек (боков), черное дерево для накладки — приходится покупать за границей, и только клей из осетровых рыб российский. Производство долгое — больше одной гитары в месяц делать не получается.
«В низшей ценовой нише очень сильно представлены фабричные инструменты и китайская штучная продукция, туда нашим мастерам даже соваться не стоит,— признает Ткач.— В высшем сегменте — Европа. Выжить можно только в средней ценовой категории». Еще, чтобы выжить, нужны брэнды — а они в музыкальном деле создаются династиями и столетиями.
Гварнериныи страдиварины
У российских скрипичных мастеров дело обстоит много хуже. Сейчас рынок перенасыщен итальянскими скрипками разного срока давности — и чем выше класс исполнителя, тем крепче его желание играть на старом итальянском инструменте. Звезды даже небольшой величины, преодолевая финансовые сложности, стремятся хотя бы для самитальянскихрантий сбыта.итальянскихи, наоборот, ориентируясь на вожделенных итальянцев.
Скрипки, которые создают современные российские мастера, конечно, отличаются от старых итальянских. По словам Стасова, исполнители сейчас заинтересованы, в частности, в более громких инструментах, не жели те, что делали в XVI — XVII веках.
Но судя по распределению спроса между старыми и новыми скрипками, это все же не совсем так.
Мастера-аутисты
Из мастерской великого Антонио Страдивари, где он трудился вместе со своими учениками, вышло более тысячи инструментов: среди них скрипки, гитары, альты и виолончели. Российские мастера делают всего по нескольку десятков инструментов — поскольку из-за отсутствия школы приобретают мастерство долго и мучительно, да и учеников не берут.
«Главная проблема нашего ремесла — отсутствие школ, наследственности, — говорит Ткач. — Это ущербность наша, конечно, но что-то не позволяет пускать в свое пространство чужого. Объяснить, показать — пожалуйста. Но так ведь мастерство не передашь, нужно работать вместе не год и не два. А мы не можем, это другое занятие совсем — преподавание, нам оно неинтересно. И старые русские мастера почемуто не могли».
«То, что ученики и дети мастеров узнавали в пять лет, мы открываем в сорок, — говорит балалаечный мастер Валерий Гребенников.
— И, тем не менее, себе учеников мы тоже не берем, обрекая будущие поколения на такие же муки».
С народными инструментами вышла совсем уже странная история. Если гитары и скрипки — инструмент иноземный, и почти любой уважающий себя исполнитель желает иметь инструмент страны происхождения, то балалайки-то здесь родились.
Тем не менее, предложение не перекрывает спрос, а существенно от него отстает. Кроме Гребенникова в России существует от силы два десятка мастеров, делающих качественные балалайки.
Гребенников начал увлекаться изготовлением балалаек во время учебы в Гнесинке в классе знаменитого балалаечника П.И. Нечепоренко, и еще он объясняет свою страсть к этому делу юношеским увлечением строительством
моделей самолетов. (Кстати вещь довольно распространенная среди музыкальных мастеров: помимо органиста Чилина, скрипичного мастера Крылова моделированием самолетов увлекался в юности знаменитый китайски скрипичный мастер Жэнь Хуан,
которому во многом принадлежит заслуга китайской экспансии на рынок до рогих инструментов.
) К настоящему времени Гребенников сделал 46 балалаек, из них пять продал за границу.
Спрос на балалайки есть, и очень большой — как на внутреннем рынке, так и на внешнем. Дело в том, что помимо местных ансамблей русской народной музыки аналогичные ансамбли существуют в далеком зарубежье — в одной только Японии два коллектива играют в деликатной японской манере на домрах и балалайках русский репертуар. Есть такие коллективы в Швеции, Германии, Финляндии, США… . Валерий Гребенников утверждает, что ни один инструмент из сделанных им не пролежал у него трех дней — глубину этого рынка он еще не постиг, однако ясно, что силами двух десятков русских балалаечников его не вычерпать. «Но из-за специфики нашей работы, отсутствия преемственности и ученичества превратить это занятие полноценный бизнес мы не можем, — говорит он. — С другой стороны — создавать артели для нас значит терять волшебство профессии. А в результате получается следующая вещь. Я скорее продам балалайку студенту Гнесинки в половину цены, чем иностранцу за $2 тыс.
В принципе мастера против бизнеса ничего не имеют. Но если уж делать его, то на чем-то таком, что не затрагивает душевных склонностей. А с балалайками еще работы — вагон, много чего понять нужно…»
Екатерина ДРАНКИНА
Статья в журнале «Деньги»
№17-18 10-16 мая 2004 г.
Тихая музыка на Истре, 1 июня 2013г.
18.06.2013
Сказка-Быль! А иначе и не назовешь атмосферу, в которой прошло мероприятие, собравшее всех наших друзей в удивительном месте, наполненном сказочным убранством, ароматом дерева, радостью встреч и истинным радушием хозяев!!! И в этой атмосфере осознаешь, что гитарная музыка действительно способна творить чудеса! В этом смогли убедиться все, кто принял участие в субботней вечеринке-презентации первого альбома Коллекции «Тихая музыка»
в первый день лета.
Все вокруг словно вторило
названию этого твор-
ческого направления. Но дело вовсе не в отсутствии шума и суеты,
а в общем настроении, которое царило на протяжении всего вечера.
| Основная часть |
Квартет им. Александра Фраучи (Видео)
И прекрасное исполнение классических произведений Квартетом
им. А. Фраучи в огромном холле сказочного дома,
построенного недавно почившим известным зодчим-бессеребренником http://www.skazka-byl.ru Анатолием
Васильевичем Рядинским, где в каждом уголке словно живет музыка, и виртуозная игра Дмитрия Мурина, и текущие под
шелест ручья уже на открытой сцене авторские композиции Кирилла Волжанина, и завораживающее фламенко, согретое теплым
дыханием расположенного рядом Храма огня, и чарующий голос Константина Минифаева,
вновь подаривший друзьям баллады о любви, наполнив их сердца столь светлыми
чувствами.
Все это смогло объединить в одном месте разных во многом людей, но
уже ставших почитателями «Тихой музыки».
Дмитрий Мурин
Зрительный залКирилл ВолжанинКонцерт у прудаКонстантин Минифаев (Kinst)
Каждый нашел в этом празднике свое одухотворение, свою тему для приятной беседы, свой творческий потенциал. А по-настоящему творческих людей, кроме уже упомянутых музыкантов, среди благодарных слушателей было также не мало. Это и хозяйка этого удивительного места под Истрой, руководитель Проекта «Сказка-Быль» Евгения Колотыгина, которая встретила всех гостей так хлебосольно и так тепло, оставив самые добрые чувства в душе каждого. Кроме того, Евгения – меценат, она одной из первых стала поддерживатьСтудию гитары «Тихая музыка».
Здесь, без скромности, заслуженные гитарные
мастера Тимофей
Ткач и Павел Гаврюшов, инструменты которых расходятся по всему миру и дарят
наслаждение своим звучанием как музыкантам, так и их поклонникам.
Талантливый
музыкант с тонким интуитивным подходом к музыке, композитор Евгений Слабиков. Несущие загадку и самобытность в своем
исполнении гитарист фламенко Павел Баталин, перкуссионист Кирилл Россолимо и певица
Мария Жаркова. Успешно соединивший бизнес и искусство в своей жизни Вячеслав
Тропилло, а также его супруга Вера и дочь Анастасия. Познающий через единоборства
философию Востока Александр Бочарников, привнесший ее лучшие черты в свое
кулинарное искусство, которым радовал всех собравшихся гостей. И, конечно же,
дизайнер Алена Цветкова, без которой букет творческих людей был бы не
законченным.
Надежда и Алёна
Нельзя не сказать еще об одном человеке,
который щедро и заботливо оказывает спонсорскую и дружескую поддержку Студии, —
это Егоркин Сергей Сергеевич, Руководитель Компании «Московская кофейня на паяхъ» http://www.
mknp.ru
И, конечно же, еще раз хотелось сказать слова благодарности Фирме грамзаписи Никитин http://nikitinmdc.ru, которая выпускает альбомы Коллекции и выступает своего рода гарантом качества в развитии нашего Проекта.
Студия развивается и строит своё будущее благодаря, конечно же и тому, что рядом с нами Вы, наши настоящие и преданные друзья! В ближайших планах выпуск очередного диска Коллекции «Тихая музыка», постановка романтического камерного мюзикла «Ручьи, где плещется форель», который вполне может стать новым словом в современной музыкальной и театральной культуре, концерты на разных площадках всех участников Проекта, различные благотворительные мероприятия и, конечно же, традиционно душевные и запоминающиеся творческие вечера в нашем Салоне-студии.
До скорых встреч!
Павел Гаврюшов, Ростислав Панфилов, Павел Апинис и супер шеф-повар Александр Бочарников!Александр Ладыгин и его ГАЗ-21 «Волга».
Ух ты! Как все здорово!
До новых встреч!
Русский мастер на Родине гитары
Сегодня наша прогулка по Гранаде привела нас на улицу Соларес 50. Это местечко находится прямо на пересечении с улицей Молинос, по которой каждый день проезжают вереницы такси и автобусов, везущие туристов в Альгамбру. Однако сегодня нам не туда, мы отправляемся в гости к Павлу Гаврюшову, к талантливому мастеру, который посвятил себя созданию гитар высшего профессионального уровня. Изготовлением гитар Павел занимается с 2000 года. Несколько лет назад он вместе с семьей перебрался жить в Андалусию. В Гранаде он открыл мастерскую, в которой занимается не только изготовлением гитар, но и успешно дает уроки своего мастерства. Как же случилось так, что хранителем испанских традиций изготовления гитар стал русский мастер? Об этом мы узнаем у него лично.
| Павел Гаврюшов с Юрием Стояновым |
Вы успешный мастер у себя на Родине, ваши инструменты звучат в лучших залах России, на них играют известные классические гитаристы во всем мире.
Что побудило Вас уехать из России?
Дело в том, что в России заниматься созданием гитар сложно. С одной стороны большую роль играет климатический фактор, например, нестабильная относительная влажность воздуха негативно сказывается на сборке инструмента. С другой стороны, есть проблемы административного плана. Для изготовления гитар мне необходимо закупать материал, в первую очередь древесину, а с нашим таможенным законодательством это делать, мягко говоря, не просто. Ну и в целом, в отличие от нашей страны, в Испании профессия гитарного мастера пользуется почтением. Некоторые улицы носят имена известных гитарных мастеров. В России эта специальность отсутствует даже в государственном реестре профессий. Ну и конечно же, не последнюю роль в принятии решения о переезде, сыграл тот факт, что мне очень нравится Испания.
| Павел Гаврюшов |
Да, Испания – прекрасная страна для отдыха, это подтверждают миллионы туристов, которые приезжают сюда каждый год.
В Испании много удивительных мест, что же заставило остановить свой выбор именно на Гранаде?
Начнем с того, что Гранада является одним из мировых центров по изготовлению испанской классической гитары. В Гранаде на протяжении веков ремесленники гитарного искусства оттачивали свое мастерство, накопив в этом деле большой опыт. В провинции Гранада зарегистрированы свыше сорока гитарных мастеров. Это самая большая плотность гитарных мастерских на квадратный метр по мировым меркам.
Ну и не последнюю роль при выборе места сыграл тот факт, что Гранада — это потрясающей красоты город. Здесь находится монументальный комплекс Альгамбра, есть различные музеи, город радует разнообразием своей архитектуры. В целом, на улицах города встречается приятная публика, чувствуется, что в городе присутствует очень творческая атмосфера. Также Гранада может похвастаться удобным месторасположением, с одной стороны от Гранады не так далеко до моря, с другой стороны, рядом расположен национальный парк Сьерра Невада с горнолыжным курортом.
Если выехать за город, то город окружает великолепная природа.
Вы сказали, что в провинции Гранада около 40 гитарных мастеров. Как Вас воспринимают испанские коллеги? Не опасаетесь конкуренции?
В основном между мастерами существует очень дружественная атмосфера. Мастера стараются помогать друг другу. Свои инструменты я продаю не только в Гранаде или в Испании, но и в другие страны мира, в основном для профессиональных исполнителей. Для моих испанских коллег Гранада также не является единственным рынком сбыта гитар, они продают свои инструменты в другие города и за рубеж, поэтому в масштабах земного шара никакой конкуренции нет.
| Павел Гаврюшов со своими учениками в Гранаде |
В своей школе гитарного мастерства вы успешно проводите курсы, в том числе и для испанцев. Получается, что мастер из России едет на Родину гитары, чтобы учить испанцев делать их национальный инструмент? На первый взгляд этот факт кажется парадоксальным.
В этом нет абсолютно ничего удивительного, так как самое главное в любом деле, не национальность, а мастерство. На сегодняшний день гитара давно является интернациональным инструментом. Есть выдающиеся мастера не только в Испании. Важен уровень мастерства, а не происхождение мастера. Кстати, в своей работе я лично придерживаюсь принципов строения инструмента, заложенных андалузским мастером Антонио де Торресом Хурадо, его называют отцом современной классической гитары. К слову, гранадский мастер, Антонио Марин Монтеро, получивший от Короля Испании государственную награду, учился у французского мастера Роберта Буше.
В своей школе гитарного мастерства я провожу курсы двух типов: постоянные и интенсивные. Постоянные курсы рассчитаны на учеников, которые живут недалеко и имеют возможность один-два раза в неделю посещать мастерскую. Интенсивные курсы имеют продолжительность один месяц. Ученики приезжают из других стран и континентов. За это время ученик делает гитару высоко уровня под моим руководством. В итоге он имеет хороший собственный инструмент, опыт, знания, а также официальный сертификат о прохождении курса.
Сразу чувствуется, что вы не только профессионал, но и большой энтузиаст своего дела. Как вы выбрали эту профессию?
Профессию я не выбирал, получилось так, что это скорее она выбрала меня. Мой путь к профессии сопровождался чередой удивительных совпадений. Дело было в конце 90-х, когда я решил купить гитару ручной работы у петербургского мастера Сергея Русакова. Тогда я жил в Литве и был в Санкт-Петербурге проездом. Я только что приехал в город на поезде и тут же, совершенно случайно, столкнулся с Сергеем на улице, буквально только сойдя с поезда. Насколько велика вероятность такого совпадения утром в час пик в городе с населением более пяти миллионов жителей можно себе представить!
Позже, когда я вернулся жить в Санкт-Петербург, однажды я зашел к нему в гости и в разговоре заметил, что у него очень интересная и редкая профессия. Сергей же мне, возможно даже в шутку, предложил поступить к нему в ученики. Я с радостью согласился на его предложение и через девять месяцев держал в руках свою первую гитару.
Через пять лет я переехал жить в Москву. И тут цепочка закономерных случайностей не оборвалась. Вскоре после переезда в Москву выяснилось, что квартира, где я живу, находится всего в десяти минутах ходьбы от гитарной мастерской Тимофея Ткача. Мы уже были знакомы ранее. Через какое-то время я уже работал в его мастерской, где приобрел бесценные знания и познакомился с интересными людьми и выдающимися музыкантами.
И вот еще одно совпадение. На этот раз это произошло в самолете, когда мы с Тимофеем летели в Испанию, чтобы выбрать древесину для гитар. В руках он держал тетрадь с уроками испанского языка, я заглянул в нее и не поверил своим глазам: в тетради моим почерком были написаны предложения на испанском языке! Как оказалось, что у нас одинаковый почерк.
Все это время изготовление гитар было моим увлечением, сам же я был руководителем представительства одной европейской компании, у меня в подчинении было около 400 человек, но в один прекрасный момент я понял, что всерьез заниматься гитарами в рамках хобби невозможно и так хобби переросло в профессию.
Чем отличается гитара ручной работы от фабричной гитары?
Я отвечу образно. Хорошая (подчеркиваю) гитара ручной работы отличается от фабричной как восковое яблоко от настоящего. Оба яблока имеют одинаковый цвет, форму, вес. Для полноценного исполнения музыкального произведения требуется инструмент определенного качества. Дерево — неоднородный и всегда разный материал, и фабричными методами невозможно достичь нужного результата. Это не значит, что любая гитара ручной работы лучше, чем фабричная. Существует много мастеров, которые делают инструменты по качеству не выше, чем серийные.
Я изготавливаю свои гитары с использованием ручного инструмента. Электромеханическое оборудование я использую только для предварительной подготовки. Большую роль в изготовлении гитары также играет выбор материала. Я лично отбираю древесину высокого качества и многолетней выдержки. Для верхней деки это красный канадский кедр или ель, для нижней различные сорта палисандра.
Для склейки частей гитары я использую только натуральный осетровый клей. Это клей из плавательного пузыря рыб осетровых пород. В старину этот клей называли «русский цемент», и до сих пор лучший осетровый клей производится в России.
Лак тоже натуральный. В Индии водится жучок известный также как «лаковый червец». Эти насекомые питаются древесным соком. В процессе пищеварения они превращают сок в смолистое вещество. Затем этот продукт жизнедеятельности собирают с веток, измельчают, промывают и сушат. Измельченный лак расплавляют, фильтруют и высушивают. Для приготовления лака используется этиловый спирт, в котором растворяется шеллак.
Случалось не раз, когда на экскурсиях мне мои экскурсанты задавали вопрос, сколько струн на испанской классической гитаре?
Гитара имеет долгую историю. Во времена правления мавров былa распространена арабская лютня, однако со времен изгнания мавров в конце XV века, играть на арабской лютне стало, мягко говоря, не патриотично. Поэтому широкое распространение в XV и XVI веках получил испанский щипковый инструмент виуэла (исп. vihuela), имевший шесть двойных (настроенных в унисон) струн, при этом первая струна могла быть одинарной, это можно сказать, и есть прабабушка современной гитары. Виуэла, скорее всего и была создана после изгнания из страны мавров как альтернатива попавшей в немилость арабской лютне. Этот инструмент, который по своим возможностям не уступал лютне того времени и в то же время обладал формами испанской гитары.
После виуэлы появился инструмент с пятью жильными двойными струнами. Он получил распространение в Европе под названием «барочной гитары». Первые барочные или пятихоровые гитары известны с конца XVI века. На смену барочной пришла романтическая гитара, которая имела шесть одинарных струн. Эта гитара получила название романтическая. Эволюция классической гитары была завершена испанским мастером Антонио де Торресом. Он привел гитару к тому виду, в котором мы ее знаем сегодня. Это шестиструнная гитара.
Значит Высоцкий пел не про испанскую гитару: «поговори хоть ты со мной подруга семиструнная…»?
В классической испанской гитаре только шесть струн. Семиструнная гитара возникла и получила распространение в России с конца XVIII века. Ее строй отличается от классической испанской гитары, так же как и количество струн. Надо заметить, что именно семиструнная гитара доминировала в России до середины прошлого века, затем большинство музыкантов перешли на классическую шестиструнную гитару, а на семиструнной гитаре продолжают играть живущие в России цыгане, поэтому и известна она как «цыганская», также она применяется при исполнении русских романсов. В целом же, семиструнная гитара на профессиональной сцене появляется довольно редко.
| Павел Гаврюшов с Пако де Лусия |
А в чем отличие классической гитары от гитары фламенко?
Здесь принципиальных конструкционных отличий не существует. Определенные особенности гитары фламенко, например использование кипариса, обеспечивают более быструю атаку и особенный тембр, но при этом теряют в некоторых других качествах. Но я считаю, что хорошая классическая гитара обеспечивает возможность исполнения классического репертуара и музыки фламенко. Многие выдающиеся гитаристы фламенко, среди которых Пако де Лусия, используют для выступления классическую гитару.
И последний вопрос. У вас есть ваш любимый инструмент, с которым вы не хотите расставаться?
Моя задача – не сделать инструмент и затем хранить его под стеклом и любоваться. Когда инструмент попадает в хорошие руки, живет на сцене, мне это приносит радость, это цель профессии.
Официальный гид в Гранаде Анастасия Люпкес [email protected], +34 625 875 082
Мастер по созданию гитар Павел Гаврюшов [email protected], +34 693 106 632Состоялся концерт классической музыки «Скрипка Страдивари — Ренессанс»
17 и 19 июля «Мастерская Тимофея Ткача» и продюсерский центр «Театромания», которая не перестает на радость всем ценителям настоящего искусства организовывать действительно достойные и запоминающиеся события, представили в музее «Дом Иконы» камерный концерт классической музыки «Скрипка Страдивари — Ренессанс».
Очаровательная ведущая концерта представила зрителям участников концерта и на протяжении всего действия благородно исполняла роль церемониймейстера. Представленный ей «Квартет имени Дягилева» наполнил зал удивительными по красоте и силе воздействия мелодиями. Победитель конкурса им. королевы Елизаветы, лауреат международных конкурсов Андрей Баранов играл на легендарной скрипке Страдивари. У этой скрипки свой голос: неповторимый, поэтичный, страдающий, откровенный, волшебный — голос жизни. Слушатели были заворожены ее чистым выразительным звуком. Профессор Московской консерватории, народный артист России, лауреат Государственной премии России Сергей Пищугин пленил всех ярким, пластичным и живым звучанием своей скрипки. Победитель международного конкурса «Swedish International Duo competition» Федор Белугин, который знаком зрителям по рождественским концертам «Мастерской», с помощью своего старинного альта создавал теплый нежный тон. Виолончель в руках лауреата международных конкурсов Алексея Жилина пела сочно, глубоко и напряженно. Видео и фортепианное сопровождение, ставшие частью концерта, подчеркивали особо важные моменты и делали концерт более зрелищным, динамичным и насыщенным.
Глеб Матвейчук и Анастасия Макеева
Илья Медведев (RinaLista Group) и Елена Смирнова (Театромания)
Игорь Возяков (Основатель музея «Дом Иконы») с
Людмилой Алексеевной Возяковой
Прекрасен был и немного смущающийся струнных дел мастер Тимофей Ткач, который покорил всех своими интереснейшими рассказами о старинных и современных инструментах и секретах их создания. Он рассказывал об упругости материала, об интуитивно улавливаемых изгибах инструмента, об искусстве овладения сложной профессией.
Сергей Ашарин, VJ MTV
Струнная мастерская Тимофея — это не просто школа исполнительского мастерства. Более 29 лет мастер не только делает и реставрирует великолепные инструменты, он еще и воспитывает учеников – скрипичных и гитарных мастеров. А это значит, что традиция будет сохраняться, передаваясь из поколения в поколение, а струнные шедевры продолжат оставлять неизгладимое впечатление в сердцах благодарных слушателей.
Юлия Чулкова и Ирина Сокол, Shopping Guide
Приятный сюрприз – браслеты и бутоньерки из живых цветов, всем гостям «Дома Иконы», среди которых были Анастасия Макеева, Глеб Матвейчук и Сергей Ашарин, подарил журнал Shopping Guide. Партнером концерта стало кафе «Фиалки в сахаре» (ресторанный холдинг RinaLista Group).
ЗВЕЗДЫ XXI ВЕКА Известный всем, кто интересуется классической гитарой, Дмитрий Нилов с 2003 года дал сотни концертов в филармонических залах, проехав страну от Калининграда до Владивостока. Выступал в Испании, Бельгии, Франции, Германии, Нидерландах, Литве, Украине, Белоруссии. Тем не менее актуальную информацию о нем найти непросто, его имя редко появляется в афишах гитарных фестивалей. Почему? Гитарная техника как спорт (когда виртуозность – цель, а не средство) или иллюстрация (чистое прочтение нот и не более) – это не про Дмитрия Нилова. Его путь – искусство, стремление познать не просто музыкальный инструмент, а через инструмент – великое таинство музыки. Этот познавательный процесс проявляется в индивидуальности исполнительского таланта: в сочетании чувства формы и уникального туше (способам прикосновения к струнам кажется несть числа), мощности и чистоты звука и, соответственно, в удивительной изысканности и объемности звучания инструмента. Его путь к признанию у профессиональных исполнителей не был гладким, как, вероятно, любой достойный путь, особенно в искусстве: от Дмитрия потребовались не просто труд, нацеленность на результат, талант, но и способность принимать решения, которые многие сочли или еще сочтут непопулярными. Но обо всем по порядку. НАЧАЛО Музыка вошла в его жизнь с раннего детства: отец – профессиональный музыкант и классика постоянно звучала в доме. С пяти лет Дмитрий начал заниматься с педагогом по фортепиано, в какой-то момент очень хотел играть на скрипке. Но в десять судьба подарила ему другие струны – гитарные. «Подарок» оказался знаковым, и уже через два года пришли первые успехи на детских городских и областных конкурсах. После окончания ДМШ (педагог С.А. Солтан) и музыкального училища в родном Смоленске (педагог В.Ф. Павлюченков) Дмитрий Нилов поступил в РАМ им. Гнесиных, класс профессора А.К. Фраучи. За время учебы в академии он дважды становился лауреатом одного из самых престижных в мире конкурсов гитаристов – Printemps de la Guitare, который проходил под патронатом королевы Бельгии Фабиолы и входит во Всемирную федерацию конкурсов (WFIMC, Charleroi). Дмитрий получил прекрасные отклики специалистов и прессы, отмечавшие незаурядное музыкальное дарование самого молодого финалиста из России. Продолжение участия в конкурсах казалось перспективным и логичным, но в 2003 году (ему было 24) музыкант отказывается от дальнейших состязаний в пользу концертной деятельности. Позже он скажет в одном из интервью, что сам принцип соревновательности в музыке вызывает у него недоумение. В конце концов музыка не спорт, и объективность на подобного рода мероприятиях весьма условна. На самом деле причина отказа от конкурсов была не только в этом: Дмитрий хотел играть за гранью возможного, используя весь динамический диапазон инструмента. Примеров подобного концертного исполнительства в истории еще не было. ПРОТИВ ТЕЧЕНИЯ В начале 1990-х набирал обороты новый стиль игры, имевший существенные отличия от классической техники, которую использовали Франсиско Таррега, Эмилио Пухоль, Мигель Льобет, Андрес Сеговия, Джон Уильямс – почти все выдающиеся гитаристы XIX–ХХ веков. Иная постановка рук воспринималась как «новое слово», которое приведет к революционному прорыву и новой эстетике гитарного звука. Дмитрий Нилов, считающий главным в своей работе академизм и полное соблюдение классических исполнительских традиций, новых веяний не принял. Он не просто играл с классической постановкой правой руки – она была фундаментом в его стремлении совершенствовать свою технику и в работе над музыкой. «На кону» стояли, с одной стороны, предпочтение музыкантом классической постановки руки и соответствующей ей эстетики концертного звука инструмента, с другой – вопрос о перспективе участия в международных конкурсах, где все большей благосклонностью пользовалась эстетика звука, основанная именно на «современной» постановке, что было заметно уже невооруженным взглядом. Справедливости ради нужно отметить, что Дмитрий пробовал играть с новомодной постановкой, но отказался, так как понял, что ее применение автоматически сужает возможности в области динамики и, соответственно, фразировки. Для гитариста это было неприемлемо, так как он ориентировался на исполнение музыки, в которой вопросы динамики играли существенную роль. И в итоге оказался чуть ли не в полном одиночестве: ведь сегодня практически невозможно увидеть на сцене гитаристов с классической постановкой. В числе аргументов против – мнение, что классическая техника устаревшая и даже вредная для здоровья. Сложившуюся ситуацию комментирует Дмитрий Нилов: — Я так и не смог найти этому объяснения. Так называемая устаревшая постановка основана на мышечной свободе и имеет в этом отношении перед современной очевидные преимущества. Я выбираю классическую постановку, потому что нахожу для себя больше возможностей – в динамике, артикуляции, тембральной палитре. Но в начале 2000-х были сомнения – я пытался понять, стоит мне или нет вносить коррективы в свою технику игры. Было много сомнений, но, к счастью, мне очень повезло – я познакомился с уникальным российским мастером Тимофеем Ткачом. У нас были идентичные взгляды на классическую гитару и на исполнительство в целом. Мы не просто смотрели в одну сторону, мы были в постоянном поиске истины, он – в изготовлении гитар, я – в исполнительстве. Намеренно не говорю, что Тимофей Ткач – «гитарный мастер», так как он является лютье (Luthier), что подразумевает более широкий спектр деятельности по изготовлению не только гитар, но и других струнных инструментов: например, скрипок и альтов. Эта встреча была для меня как глоток свежего воздуха. В мастерской я познакомился со многими профессиональными музыкантами, такими, как прекрасный скрипач Алексей Кошванец, сегодня – профессор Московской консерватории и Российской академии музыки им. Гнесиных. Мы часто беседовали, обменивались мнениями о музыке, инструментах, исполнителях, методических проблемах, концертной деятельности. Для меня это была серьезная школа. Переломным моментом стала встреча Дмитрия Нилова с Пепе Ромеро, находившимся на гастролях в России весной 2003 года. Благодаря двухдневному общению с мэтром классической гитары, обмену мнениями, опытом и как результат – одобрению маэстро исполнительских предпочтений Дмитрий сделал окончательный выбор. В пользу концертов! Именно они должны были решить, насколько оправданы его предпочтения в исполнительской технике и эстетике звука. С первых же концертных выступлений на Нилова обратили внимание и публика, и специалисты российских филармоний. К концу нулевых формируется исполнительский стиль Дмитрия Нилова, который с каждой новой программой все больше раскрывает индивидуальность музыканта, в основе которой – уникальное сочетание чувственности с интеллектом, мощности и широты динамического диапазона с технической и эмоциональной рафинированностью. Как результат – абсолютно индивидуальная звуковая палитра гитары в зале. Высокая оценка профессионалов и благодарные комментарии слушателей подтвердили: он победил в своем главном испытании, к которому шел многие годы – испытании профессиональной сценой. ВЗГЛЯД В БУДУЩЕЕ В настоящее время Дмитрий Нилов сконцентрировал внимание на работе в интернете. Музыкант консультирует гитаристов (в том числе онлайн) по вопросам техники, независимо от того, с какой постановкой рук они играют, ногтями или без, – главное для него поддержать тех, кто хочет повысить свой исполнительский и методический уровень. На канале Творческой мастерской Дмитрия Нилова (Classics on Sound DN) в YouTube https://www.youtube.com/channel/UC-Gvac7mdYU18XL1HACyMuw публикуются учебные ролики о технике игры на классической гитаре, которые сопровождаются комментариями и пояснениями. Музыкант наглядно показывает, как классическая постановка помогает добиться сбалансированного звучания, мышечной свободы, безграничных возможностей туше, ровного динамичного тремоло – всех тех технических составляющих, которые и формируют исполнительский стиль и индивидуальную звуковую палитру. Дмитрий Нилов считает необходимым обосновать свою точку зрения о важности использования классического исполнительского опыта гитаристов ХIХ–ХХ веков: — Когда мне задают вопрос о том, как коротко сформулировать, что является главным в моей работе над музыкой, я без колебания отвечаю, что это академизм. Академизм для меня – вопрос личной исполнительской дисциплины и соблюдения классических традиций. В работе над музыкой я всегда опирался и опираюсь на опыт всего исполнительства, история которого связана с постоянными решениями более сложных вопросов техники. У гитаризма есть очень серьезная и важная особенность – на фоне более чем существенных психологических нагрузок крайне высокая зависимость творческих результатов от состояния физических и физиологических показателей музыканта: эластичности мышц и суставов, пластики и свободы запястий и пальцев, чувствительности подушечек пальцев, качества ногтей, их длины и формы. В связи с этим именно самодисциплина и требовательность к самому себе на подготовительном этапе являются определяющими факторами для современных гитаристов, если они хотят соответствовать канонам академического стиля и постоянно совершенствоваться. …Если сегодняшнюю ситуацию рассматривать не как спор между гитаристами, а как проблему академического исполнительства, вероятно, будет полезным не только обмен мнениями по вопросам техники гитаристов на конференциях, но и широкое обсуждение, в том числе в СМИ. Личный сайт Дмитрия Нилова http://dmitrinilov.com/ Сайт Творческой мастерской Classics on Sound DN http://classicsofsound.com/ru/classica-zvuka-html Канал Дмитрия Нилова на YouTube https://www.youtube.com/channel/UCh9ws6owcbxtd0wMrxINMcw Шубенко Наталья30.09.2017 |
В голосе его гитары оживает прошлое
— Я перед концертом испытываю панический страх. Честно, — признается гитарист Андрей Скороходов, солист Мурманской филармонии. — Приходится каждый раз бороться с с обой, чтоб успокоиться, настроиться. Так что концерт для меня — битва за победу, — смеется музыкант.
Артисты говорят, что волнение перед выступлением — вопрос темперамента. Кто-то вовсе не знает, что это такое, с первого выхода — спокоен и собран. А кто-то не может избавиться от дрожи в коленях, несмотря на многолетний опыт исполнительства. У Андрея достаточный сценический опыт — участие в конкурсах молодых музыкантов, работа в ансамбле с мурманскими артистами, даже игра в североморской рок-группе. А вот сольная программа — новый шаг для него. И концерт, прошедший вчера в областной филармонии, — один из первых.
— В работе с ансамблем много своих сложностей, — считает Андрей. — Надо прислушиваться к чужому мнению, надо уметь слышать других. А выступая соло, ты делаешь все, что захочется. Ты сам за себя в ответе. Хотя и ответственность выше: никто не прикроет. Это как театр одного актера.
Сольные выступления — это и самостоятельный выбор репертуара. Тут музыкант становится режиссером — программа выстраивается как настоящий сюжет, в ней должны быть смысл и движение. Андрей специально включил в программу и старинную — скрипичную партиту (разновидность сюиты) Баха в переложении для гитары, и музыку двадцатого века. Причем и самое начало века — «Бразильскую сюиту» Вилла-Лобоса, и последние годы — «Черный де-камерон» Брауэра. Андрей говорит о музыке, как будто пересказывает книгу:
— «Черный декамерон» — это три истории по мотивам знаменитого «Декамерона» Боккаччо. Это рассказы о воинах, влюбленных, о страсти. Одно удовольствие играть! Влюбленные совершают побег из родительского дома, идут по таинственной долине Эха, их преследуют странные звуки…
Андрей вспоминает, как прославленный гитарист Александр Фраучи убеждал его: «С любимыми так легко не расстаются! Поэтому если есть у тебя любимые произведения, постоянно их играй, включай в каждую программу!» Но у Скороходова выходит иначе:
— Мне всегда хочется быть первооткрывателем. Находить вещи, новые и для слушателя, и для самого себя.
Открытия случаются и на репетициях, и на концертах. Андрей считает произведение состоявшимся лишь после того, как исполнил его на концерте. Какой-то новый поворот, новый тон можно поймать именно там. Многое зависит от восприятия публики, от собственных ощущений на сцене. Впрочем, основная работа — это, конечно, многочасовые ежедневные репетиции. Занимается Скороходов дома, в Североморске. И оторвать его от этих утренних занятий трудно. Жертвует музыкант ими разве что в день после концерта — отсыпается. А потом вновь начинается кропотливая работа. От отца, доктора технических наук, Скороходову, кажется, достался въедливый математический ум. И музыка для него подчас — как алгебраическая задача:
— Мне всегда было интересно, почему та или иная пьеса у разных исполнителей звучит по-разному. У кого-то выходит лучше, чем у меня. У кого-то — просто иначе. Собственно, чтобы в этом разобраться, я и начал еще до музучилища и консерватории изучать теорию музыки, гармонию. По тактам разбирал Бартока, Рахманинова, Бетховена, железную математику Баха.
К классической музыке Скороходов пришел именно через эту работу. Тогда-то на смену электрогитаре и рок-группе пришли академические занятия и верный инструмент, о котором музыкант говорит с гордостью:
— Этому инструменту три года, его делал московский мастер Тимофей Ткач — один из лучших российских гитарных мастеров. Практически все музыканты, приезжавшие к нам на гастроли, играют на его инструментах. Сейчас многие мастера увлекаются экспериментами, делают гитары либо с преувеличенно нежным, бархатным звучанием, либо, наоборот, «бронебойные» — которые покрывают большие залы без всякой подзвучки… А этот мастер делает инструменты с настоящим испанским звуком. Их конструкция повторяет ту, что изобрел испанский мастер XIX века Антонио Торрес. Это классическая форма.
Андрей много говорит о классике, стремится исполнять преимущественно ее. Причем ничего музейного в ней для Скороходова нет. Напротив, это живая стихия, в которой музыканту свободно дышится:
— Вначале меня интересовала классическая форма, мастерство композиторов, техника. А потом я понял, что именно эта музыка поможет мне понять себя, Она так же способна рассказать о человеке, его душе, как классическая литература. И кроме того, она вбирает в себя переживания и стремления людей, давно ушедших. Она сохраняет память. И по ней мы ощущаем вкус ушедшего века.
Татьяна БРИЦКАЯ, газета «Мурманский вестник», 9 декабря 2006 год.
газета «Мурманский вестник»
Мечта о чистых звуках — Страна Мечты — LiveJournal
С детства помню старую бабушкину гитару (в ее юности не уметь себе аккомпанировать хотя бы пару романсов считалось для воспитанной девушки просто неприличным). Инструмент жил под кроватью, и мне иногда удавалось дотянуться до него и легонечко постучать пальцем по деке, а в ответ слышалось замирающее «Гу-у-у…».Музыка всерьез меня заинтересовала лет в 15. Все традиционно: первая любовь училась в музыкальной школе, и очень хотелось не ударить в грязь лицом. Выбрал гитару, под нее и поется хорошо, и музыку исполнять на ней очень даже здорово. Певческая карьера не задалась, а вот инструментальная игра всерьез увлекла, так в 2004 я закончил Петрозаводскую Государственную консерваторию им. А. К. Глазунова по классу классической гитары. C этой же поры вторым планом всегда был интерес: а как же вообще делают музыкальные инструменты? Просто деревяшки, а ведь звучат! Непонятно…
В процессе поиска гитары для обучения я вышел на очень интересного и самобытного мастера Рашида Шамсиахметова. Именно с его легкой руки я подробно заинтересовался мастерской «кухней». И окончательно в науку близкого общения с гитарами и скрипками меня посвятил ученик Рашида, один из лучших мастеров России Тимофей Ткач, учеником которого я теперь и считаюсь.
В мастерской Тимофея я провел довольно много времени, но поначалу учеба была бессистемной: то скрипки, то гитары, и все больше по ремонтам, а не по изготовлению. По финансовым соображениям пришлось уйти из музыки и устроится в специализированный музыкальный магазин продавцом-консультантом. Это, с одной стороны, дало мне много практики в плане разного рода ремонтов гитар, с другой – очень сильно сократило свободное время и отдалило от собственно создания инструментов.
Так продолжалось довольно долго (я бы сказал – непозволительно), сидел на нелюбимой работе и ковырялся в чужих гитарках, пока однажды жена не сказала: а давай-ка займись инструментами плотно, и если это необходимо – увольняйся нафиг. Было очень страшно – как так в современной России остаться без работы?? Пропадем, ааа!! Но вот уже несколько лет я создаю классические гитары и укулеле (по этим малышкам я уже стал одним из лучших мастеров в России, без ложной скромности), и никто не умер с голоду, а семья даже расширилась. Да, это совсем не супер-доходы, иногда довольно сложно, но зато я теперь знаю, насколько свободно можно заниматься любимым делом, и как мало, оказывается, отделяло меня от этой свободы.
Автор и герой истории – мастер Михаил Ляшенко.
История найдена благодаря Екатерине Егоровой. Спасибо!
Мастер-ткачиха использует ткацкие станки, чтобы поддерживать древнее искусство
ШОПЬЕР, Висконсин (AP) — Когда клиенты рассказали мастерице-ткачихе Хуаните Хофстром, что им нужен мыслительный процесс, проиллюстрированный черным, коричневым и серым цветом с добавлением меди, соответствующей их напольной плитке, она отдалась интуиции.
«Однажды утром я услышал, как над головой мигают журавли, и подумал, что это хорошая тема. Я собрал идею о миграции и сделал клин из летающих птиц », — сказал Хофстром в интервью Beloit Daily News (https://bit.ly/1Nx7AfE).
Когда ее клиенты позвонили ей и сказали, что они выслеживают некоторых певчих птиц во время их отпуска в Аризоне, Хофстрем знала, что это должно было быть.
Хофстрем, учитель рисования на пенсии и выдающийся ткачиха, воплощает в жизнь многие мечты в своей мастерской. В студии, расположенной в подвале здания методистской церкви, которое ей принадлежит на шоссе S 5420 в Шопиере, установлено почти 30 ткацких станков.
В своей «церкви ткачей» Хофстрем обучает различным техникам ткачества, собирает обрезки тряпичных ковриков, дает советы случайным странникам и даже помогает организовать крещение в святилище наверху.
22 октября она воплотила в жизнь одну из своих мечтаний, когда ее представили в передаче «Наследие ремесленника» на канале PBS. В телешоу рассказывается о различных утраченных искусствах, таких как кузнечное дело и обработка дерева. Не увидев в шоу никаких волоконных артов, Хофстрем отправила продюсерам электронное письмо с предложением представить свою идею.
«Чтобы быть ткачихой, нужно иметь упорство и смелость.Время от времени нужно подталкивать, — сказала она.
Хофстрем сказала, что любит ткацкие станки еще с учебы в колледже, в основном из-за логики искусства.
«Основа — это начало нити, а уток — наполнитель.Это то, как они располагаются под прямым углом », — сказала она. «Это просто попадает в твою кровь».
В 1962 году ее муж Норман купил начинающему художнику ее первый ткацкий станок, а остальное стало историей. В 1970-х она начала создавать многомерные вещи, такие как дизайнерские подушки, которые выставлялись в элитных галереях.
Двенадцать лет назад Хофстром хотела еще больше отточить свое искусство и предложила спонсировать мастера-ткача из Англии, Джейсона Коллингвуда, в ее мастерской. Мужчина принял ее предложение и перенес операции в подвал церкви. Вместе с ними в классы доходили до 20 ткачей со всей страны.
Хофстрем сказала, что всегда предпочитала старые ткацкие станки с чугунными шестернями.Хотя она сказала, что новые ткацкие станки хороши для легких предметов, таких как бегунок стола или предметы одежды, для ковров нужен «ткацкий станок, который невозможно убить».
Ее самое ценное владение — ковровый ткацкий станок возрастом 200 лет, «прекрасно работающий». Столетние ткацкие станки — молодые.
Сегодня она ткет шерстяные седельные одеяла, бесшовные сумки, ремни для гитары и палантины для пасторов. Еще она вышивает, прядет, вяжет и вяжет крючком.
«Мои любимые вещи — это счастливые проекты, в которых путешествие имеет значение», — сказал Хофстром.
Поскольку она унаследовала много белой основы и листов, она красит уток до того, как он соткан для создания более уникальных рисунков. Она может манипулировать механизмами ткацкого станка, чтобы создавать самые сложные узоры на тканях.
С годами в Хофстрем перебралось множество искателей, многие из других штатов желали изучить ткацкий станок.Для некоторых она предлагает класс «коврик в день», в котором люди приходят и используют ткацкие станки, которые уже деформированы и готовы. Других она учит искусству, требующему терпения, на освоение которого могут уйти годы, пока человек пытается бороться со сложной машиной. Когда его спросили, сколько времени нужно на изготовление ковра, Хофстрем пошутил: «50 лет».
Хофстрем — также хранитель своенравных ткацких станков, которые, кажется, находят путь к ее заботливым объятиям. Когда с одного печального ткацкого станка, возможно, сняли металл, Хофстрем купил новые детали и реанимировал их.Ее восстановленные станки часто используются для обучения или передачи другим людям, которым нужен доступный вариант, чтобы начать свое новое хобби.
Многие соискатели Hofstrom — пенсионеры, ищущие новое хобби и начать все сначала. Хофстрем, которая называет себя «возвратом», также все время пробует что-то новое. Ее следующая миссия — ткать камуфляжные коврики для человеческих пещер.
___
Информация из: Beloit Daily News, https: // www.beloitdailynews.com
Подпишитесь на ежедневную рассылку новостей
Авторские права © 2021 The Washington Times, LLC.
Master Weaver-Full Spectrum Kit — пряжа Lunatic Fringe
Описание проекта:
- 2 полноцветных проекта (примерно 18 x 72 дюйма (с подшивкой или с бахромой))
- Саржевые блоки и двойное переплетение
- 8 жгут
- Тростник шириной 20 дюймов, 6-ярдовая основа (позволяет использовать 36-дюймовые отходы ткацкого станка с бахромой на обоих концах и 20-дюймовую бахрому между двумя проектами)
- 40 эп.
- 18 PPI для шали с лицевой стороной основы, около 28 PPI для шали с двойным переплетением
Необходимое оборудование:
- Ткацкий станок с 8 валами и шириной полотна не менее 20 дюймов
- Вам понадобится по 100 изгородей на каждой из 8 осей.
- 2 челнока, одна намотка на шпульку с черным 10/2, 20 шпулек или картонных трубок, намотанных с каждым из цветов Tubular Spectrum ™
- Трость с 10 зубцами
В комплекте:
- Конус 1-1,5 унции каждый из 10/2 мерсеризованной хлопковой пряжи: 10 желтых, 5 желтых, 10 желто-красных, 5 желто-красных, 10 красных, 5 красных, 10 красно-фиолетовых, 5 красно-фиолетовых, 10 фиолетовых, 5 фиолетовых, 10 синих пурпурных, 5 пурпурно-синих, 10 синих, 5 синих, 10 сине-зеленых, 5 сине-зеленых, 10 зеленых, 5 зеленых, 10 зеленых желтых, 5 зеленых желтых
- Конус 1-4 унции из мерсеризованной хлопковой пряжи 10/2: черный
Наша серия Master Weaver подчеркивает вдохновляющие таланты мастеров-ткачей.Мы работали с этими замечательными мастерами ручной работы, чтобы предложить вам потрясающие комплекты, сделанные из высококачественной пряжи.
Дженнифер Мур разработала этот набор для серии Master Weaver. Дженнифер имеет степень магистра в области волокон и специализируется на изучении математических моделей и музыкальных структур в настенных коврах с двойным переплетением. Она выставлялась по всему миру, получала многочисленные награды за свои работы и была представлена во многих ткацких публикациях. Дженнифер живет в Санта-Фе, Нью-Мексико, и много путешествует, чтобы проводить семинары по двойному переплетению, цвету и геометрическому дизайну.В 2013 году Дженнифер пригласили преподавать двойное плетение ткачей из коренных народов кечуа в Перу, где они снова преуспели в этой технике, которая была прекращена после испанского завоевания. Она является автором книги The Weaver’s Studio: Doubleweave , нескольких видеороликов о двойном переплетении, онлайн-курсов и множества статей.
Для получения дополнительной информации о том, как ухаживать за этой пряжей, перейдите на YARN CARE
General 4 — Волоконный центр Yadkin Valley
Мастер-ткачество
Волоконный центр Yadkin Valley гордится партнерством с Olds College, чтобы предложить все уровни мастерского ткачества и прядения.
Программа Master Weaver состоит из пяти прогрессивных уровней аудиторного и независимого обучения, включающих развитие навыков, исследования и задания по проектам. Он обеспечивает образовательную среду, в которой человек может приобрести навыки, чтобы стать независимым ткачом.
Программа Master Weaver — это строгая программа колледжа, которая направляет ткачей через систематическое изучение ручного ткачества. Программа более насыщенная, чем у большинства семинаров. Студенты сосредотачиваются на развитии мастерства и опыта, а не на разработке конкретного проекта или изучении техники.Учащимся следует ожидать выполнения домашних заданий по вечерам после занятий.
Каждый курс состоит из двух компонентов: неделя в классе, за которой следует год выполнения заданий, которые передаются инструктору для оценки.
В учебную неделю уроки состоят из лекций, учебных упражнений и заданий по ткачеству. Студенты могут рассчитывать на выполнение заданий по ткачеству вне уроков. Учреждение будет открыто по вечерам и рано утром, чтобы студенты могли заниматься плетением.
До уровня 1 учащиеся должны уметь самостоятельно заниматься снованием и ткачеством. Уровень 1 представляет собой систематическое базовое изучение основных навыков ткачества и предлагает студентам возможность отточить свои навыки и знания.
Каждый уровень имеет определенное содержание и курс обучения, а также включает в себя некоторые формы визуального, устного и письменного общения (например, презентации, исследовательские работы, дисплеи). Ниже приводится очень краткий обзор каждого уровня.
Уровень 1: шерсть, цвет и стоимость, сетка, деформация, ткачество, валяние, черчение
Уровень 2: хлопок, базовая теория цвета, саржа, теория овершот, двойное переплетение, история простых ткацких станков
Уровень 3: шелк, лен, сложные устройства зыпания, создание профиля, блочное плетение, многовалковое плетение
Уровень 4: основы дизайна, цветовые системы, фактура, плоский текстиль
После завершения уровня 4 ученик получит ремесленника Аттестат ткача от Olds College.Уровень 5 состоит из независимого исследования, поддерживаемого онлайн-наставничеством и руководством, и является заключительным курсом в сертификате Master Weaver. Если вы заинтересованы в этой программе, свяжитесь с Лесли Фесперман перед регистрацией, и она будет рада обсудить с вами программу.
Мастер-ткач из долины Сан-Луис
Наследие Эппи Арчулеты
Эппи Арчулета не только обладала техническими способностями, наградами и признательностью как мастер-ткачиха, но и была ткачихой мастерства и наследия — ее работа подкреплялась основой ее предков и обогащенный утком веры, любви и доброты.
Эппи Арчулета часто можно было встретить плетущейся в тихие, тихие часы ночи от заката до рассвета. Пока ее дети спали, а Долина молчала, Эппи превращала шерсть, окрашенную земными растениями, в узоры, повторяющие узоры ее коренных американских и испанских предков. Ее работы рассказывают истории людей через портреты и освещают красоту пейзажей и животных. Ее любовь к ткацкому станку расцвела позже, но ее навыки ткачества были развиты в молодом возрасте.Эппи унаследовала искусство ткачества от поколений мастеров до нее.
Традиционное испаноязычное народное ткачество в долине Сан-Луис берет свое начало в северной части штата Нью-Мексико в шестнадцатом веке. Овцы были завезены в регион испанскими поселенцами, а ткачи использовали шерсть для создания красивых и уникальных тканей. Этот многовековой вид искусства является продолжающейся традицией, часто передаваемой из поколения в поколение: такие семьи, как семья Мартинес из Меданалеса, штат Нью-Мексико.Наследие Эппи Арчулета является частью этого ткацкого наследия, которое насчитывает более пяти поколений.
Новые мексиканские корни Эппи
Эпифания «Эппи» Арчулета родилась в католический праздник Богоявления, 6 января 1922 года, в Санта-Крус, Нью-Мексико. Выросшая в Меданалесе, штат Нью-Мексико, Эппи в детстве участвовала в работе на семейной ферме, слушала рассказы отца после тяжелого рабочего дня и училась ткачеству.
Отец Эппи, Эусебио Мартинес, был школьным учителем, почтмейстер и опытным ткачом из Чимайо, штат Нью-Мексико.Он мог проследить традицию ткачества своего предка еще в семнадцатом веке. Мать Эппи, Агуеда Саласар Мартинес, или Донья Агуеда, как ее называли, была умелой и известной ткачихой, признанной матриархом ткачества испанского производства в Нью-Мексико. За годы работы она получила множество наград и наград.
Ткачество было неотъемлемым способом увеличения дохода их большой семьи. Все десять детей Мартинеса, включая Эппи, помогали в ткацких обязанностях, таких как обработка шерсти, сбор растений для окрашивания пряжи и ткачество на ткацком станке.Первоначально Эппи не нравилось ткачество, но позже она полюбила это искусство и полюбила его. Она сказала: «Они заставили меня это сделать. Я сделал это не потому, что хотел. Но, похоже, он неплохо напечатан у меня на голове. Теперь мне это нравится … Я просто обожаю ткать ».
Искусство ткачества
В 1950-х годах Эппи и ее муж Франсиско «Франк» Арчулета переехали в Капулин, штат Колорадо, чтобы вырастить десять детей, восемь из которых дожили до совершеннолетия.
Эппи использовала ткачество, чтобы пополнить натуральный доход своей семьи от сельского хозяйства, что позволило ей оставаться дома с детьми. Используя традиционные методы, которые она наблюдала и изучила в детстве, Эппи обрабатывала собственную шерсть путем стирки, чесания и прядения. Затем она использовала ресурсы земли, чтобы покрасить пряжу.
Дочь Эппи, Норма Медина, сама известная ткачиха, вспоминала: «У моего отца всегда было много овец. Мы будем использовать нашу собственную шерсть.Когда он стриг овцу, она брала шерсть, на которой не было слишком много наклеек. Мы его постирали и раскрашивали вручную.
Чтобы мыть шерсть, ее помещали в гигантские чаны с водой, нагретые на дровах. Затем, используя растения и травы, такие как кота, осина, можжевельник, кора, сорняки и скорлупа черного грецкого ореха, она окрашивала свежую шерсть в насыщенные яркие цвета, готовые к ткачеству на ткацком станке.
В интервью 1980 года для журнала женских исследований Эппи описала этот процесс.«И в то время, когда кипят сорняки, у меня есть эта другая шерсть здесь, в протраве, кипящей, тоже сбоку. Это должна быть такая же температура. Варю уже часа два. Теперь мне нужно снова прокипятить их еще два, чтобы шерсть окрасилась. И этим сорнякам требуется около двух часов, чтобы получить желаемый цвет ».
Передавая любовь к ткацкому станку
В то время как ткачество изначально было лишь дополнительным источником дохода, Эппи начала испытывать любовь к ткацкому станку и своему собственному творческому стилю.Годы совершенствования своих навыков позволили ей экспериментировать с ткачеством как художественной формой повествования. Она бросала вызов себе, создавая рисунки и большие одеяла навахо, которые были очень ценными и замысловатыми. По словам ее дочери Нормы, она не боялась проблем и говорила: «Я могу это сделать». В своих плетениях Эппи использовала как традиционный, так и современный стили дизайна. На протяжении многих лет Эппи была отмечена за свою работу несколькими наградами и наградами.
В 1983 году Эппи получила Премию губернатора Колорадо, а в 1985 году она была удостоена престижной стипендии национального наследия от Национального фонда искусств.В народном и традиционном искусстве эта награда является высшей наградой. В 1991 году она была представлена в статье журнала National Geographic . В статье она описала ткачество как неотъемлемую часть своей жизни. «Это часть моей души», — провозгласила она.
За прошедшие годы ее артистизм получил множество похвал и постоянно выставляется в Смитсоновском институте. В 1995 году Эппи получила степень почетного доктора искусств в Государственном университете Адамса — достижение, которым ее дочь Норма больше всего гордится.Норма объяснила, что докторская степень продемонстрировала, что ее сообщество ценит и признает Эппи как мастера-ткача и искусного ремесленника за работу, которую она выполняла в последние годы.
В 1986 году Эппи Арчулета, ее мать Донья Агуеда, дочь Норма Медина и внучка Делорес Медина были приглашены на фестиваль американской народной жизни в Смитсоновском институте в Вашингтоне, округ Колумбия. Четыре поколения ткачей продемонстрировали свои традиции тысячам людей, показывая каждый этап процесса от кардочесания до окрашивания и ткачества.
Дети, внуки и правнуки Эппи продолжают эту вековую традицию. Как и Эппи со своей собственной матерью, Норма Медина научилась этому ремеслу, наблюдая и заявляя: «Моя мама на самом деле даже не учила меня. Я только что подобрала это… Я узнала это, наблюдая за ней ».
Norma Medina продолжает традицию ткачества. В начале 1990-х Норме было поручено соткать Страсти Христовы для католической церкви Св. Петра в Грили, штат Колорадо. Трехлетний проект представлял собой комплект для плетения «Станции креста» из четырнадцати деталей.Норма объясняет успех своего проекта знаниями и творчеством, которые она унаследовала от матери, бабушки и предков. Как и ее мать, Норма находит творческое вдохновение в природе и своей вере, заявляя: «Вы учитесь ценить природу. Когда я хотел что-то сплести — и моя мама тоже — мы смотрели на горы и небо… В нашем цветовом круге тоже. Его получают из разных трав … Это произведение искусства, и мы этого не осознаем … Бог — художник «.
Наряду с обучением своей семьи ткачеству, Эппи на протяжении многих лет передала это ремесло своим многочисленным ученикам.Она учила жителей долины Сан-Луис ткать, чтобы они могли увеличить свой доход и наслаждаться искусством. Эппи работала инструктором в Информационном центре для женщин Вирджинии Нил Блю и в ремесленном кооперативе Los Artes del Valle. Эти программы были созданы для стимулирования местной экономики в конце 1950-х годов и сохранения народного ткацкого искусства испанского языка в этом районе. Эппи также посетила местные начальные школы со своим миниатюрным ткацким станком, чтобы продемонстрировать детям.
Наследие доброты, силы и стойкости
Семья Эппи Арчулеты, любовь к ткачеству и твердая вера были сердцебиением ее жизни.После того, как ее муж Фрэнк Арчулета скончался, Эппи переехала жить с семьей в Нью-Мексико. Она продолжала ткать столько, сколько могла в последние годы своей жизни. Эппи скончалась в пятницу, 11 апреля 2014 года, в Нью-Мексико.
Не только наследие Эппи пронизано ее многочисленными достижениями в области ткачества, но и доброта и сострадание также были центральными элементами ее жизни. Она быстро помогала нуждающимся. Крис Медина, ее внук, вспоминает, как Эппи помогала женщине, которая путешествовала автостопом.Крис сказал: «Она заботилась о ней в течение месяца… Моя бабушка научила ее ткать. Она была таким человеком ».
Позже забота о других и предпринимательский дух Эппи вдохновили ее на покупку шерстяной фабрики. В начале 1990-х она открыла шерстяную фабрику в долине Сан-Луис в Ла-Хара, штат Колорадо, с помощью своей семьи, в том числе ее внука Криса Медины. Эппи работала над тем, чтобы ее фабрика стала полноценным работодателем для жителей долины Сан-Луис.
Подобно ткачеству, выносливость и напор Эппи передавались из поколения в поколение. На протяжении всей своей жизни в качестве спортсмена, музыканта и других жизненных начинаний Крис осознавал, что твердость и преданность своей бабушки — это черты, которые она ему передала. Она научила его «верить и никогда не сдаваться». Наследие Эппи продолжается ее примером решимости. Крис Медина говорит со своим сыном о силе своей бабушки и передает жизненные уроки, которые он извлек от нее, чтобы продолжать преодолевать трудные обстоятельства.
Крис вспоминает выносливость своей бабушки, которая сказала: «Она шла с рассвета до десяти часов вечера. Она была одним из самых трудолюбивых людей, которых я когда-либо встречал. Моя бабушка. Я восхищался этим … Но мы никогда не работали по воскресеньям ». Хотя Эппи была очень трудолюбивой, Норма помнила, что ее мать «всегда находила время для своих детей». Она вспоминает, как ее мать вырезала маленькие игрушки из дерева или делала луки и стрелы для мальчиков в семье.
Главный рассказчик
Эта многогранная женщина была творческой и умной.В семье Эппи была известна как потрясающий рассказчик. Будь то рассказы, которые она слышала от своего отца в детстве, или сказки, которые она сочиняла, ее дети и внуки были зрителями ее устных шедевров. В 2004 году один из ее рассказов был опубликован как книга Рубена Арчулета «Эппи Арчулета и сказка Хуана де ла Бурра». Креативность Эппи выражалась в ее красивых плетениях, забавных и интересных историях и во всех других сферах ее жизни.
года Эппи рассказали историю доброты и силы.Этот ремесленник по текстилю в душе был рассказчиком и передавал мудрость вместе со своей любовью к ткацкому станку. Она вдохновила свою семью и свое сообщество ценить традиции и искусство ткачества, проявлять сострадание и доброту по отношению к другим и никогда не сдаваться, когда жизнь становится трудной. Форма искусства, которую она унаследовала, была ее возможностью помогать людям и улучшать свое сообщество.
Ткань жизни Эппи Арчулета соткана из нитей совершенства, тяжелого труда, доброты, веры и силы.
Больше из The Colorado Magazine
Женщины из приграничных земель 1848 год ознаменовал собой два знаменательных момента в истории женщин США.
Открывая личные сокровища ДИСКУРС — это место, где люди могут поделиться своим жизненным опытом и своими взглядами на прошлое с целью информирования о нашем настоящем. В этом искреннем рассказе беженка размышляет о путешествии, которое помогло определить, что составляет ее самое ценное имущество.
Понимание Амаче: археобиография шайенской женщины викторианской эпохи Фотографический портрет Амаче Очини Праверс, созданный примерно в 1870 году, является окном в ее сложный мир.
.