Театр моды что такое: Театр моды | Колледж Петербургской Моды

Автор: | 27.08.2020

Содержание

Образцовый детский коллектив Театр моды "Вдохновение"

 

 

Наша группа Вконтакте: https://vk.com/vdohnovenie_moda

 

Педагоги театра моды «Вдохновение»

       

Шубина Галина Леонидовна, руководитель театра моды «Вдохновение» ("Школа моделей"), среднее профессиональное образование, высшая квалификационная категория. Работает во Дворце с 1980 года.

         
       

Клюкина Наталья Борисовна, педагог театра моды «Вдохновение» ("Основы дизайна"), среднее профессиональное образование, высшая квалификационная категория. Работает во Дворце с 1986 года.

 

 

       

Петухова Екатерина Сергеевна, выпускница театра моды «Вдохновение», педагог ("Стильные штучки"), высшее профессиональное образование, высшая квалификационная категория. Работает во Дворце с 2001 года.

          

Пира Мария Сергеевна, выпускница театра моды «Вдохновение», педагог ("Основы конструирования и моделирования", "Дизайн костюма", "Творческая мастерская"), высшее профессиональное образование. Работает во Дворце с 2018 года.

 

Творческая характеристика

Если Вы когда-нибудь были на выступлениях образцового детского коллектива театра моды «Вдохновение», то наверняка не переставали удивляться детской фантазии, красоте и качеству изделий, сшитых и показанных на сцене самими авторами.

 

В программу театра моды "Вдохновение" включены следующие дисциплины:

  • "Школа моделей"

  • "Стильные штучки"

  • "Основы дизайна"

  • "Конструирование и моделирование одежды"

  • "Дизайн костюма"

  • "Творческая мастерская"

 

«Школа моделей»

2-9 классы

подиумное мастерство

 актерское творчество

 модные показы (концертная деятельность)

 

 

«Стильные штучки»

3-5 классы

 рукоделие из ткани и пряжи: аксессуары, игрушки, сувениры

 косоплетение

 участие в конкурсах

 

 

«Основы дизайна»

2-5 классы

 изучение элементарных основ рисунка

 изучение элементарных основ работы с различными материалами

 формирование знаний о декоративно-прикладном творчестве

 ознакомление с историей развития моды, дизайна костюма

 развитие изобразительных способностей, художественного вкуса, творческого воображения 

 

 

«Конструирование и моделирование одежды»

6-9 классы

 техника снятия мерок с фигуры

 изучение свойств материалов

 технология изготовления современной молодежной одежды

 моделирование конструкции по эскизу

 участие в конкурсах

 

 

«Дизайн костюма»

6-9 классы

 эскизирование

 композиция костюма

 стили в одежде

 метод наколки на манекене

 проектирование авторских коллекций

 изучение графических программ

 подготовка к поступлению в Кировский технологический колледж

 участие в конкурсах эскизов и выставках

 

 

«Творческая мастерская»

6-9 классы

 участие в изготовлении авторской коллекции для театра моды

 развитие нестандартного мышления

 работа с источником творчества

 разработка моделей и аксессуаров

 творческая атмосфера на занятиях

 

 

Воспитанницы театра моды в возрасте от 9 до 17 лет с желанием и вдохновением осваивают знания, умения и навыки ведущих специалистов сферы моды: дизайнера, конструктора-модельера, закройщика, портного, модели.

Педагоги раскрывают у ребят таланты в разных направлениях, развивают способность видеть, чувствовать прекрасное, воплощать свои идеи в материале.

 

 

Участие в региональных, областных, всероссийских и международных конкурсах

За 30 лет работы театра моды руками воспитанниц создано более 50 коллекций. Тематика их разнообразна: от исторических и народных до авангардных.

Искусством юных модельеров восхищались во многих городах России, а так же в Финляндии, Болгарии, Франции и Беларуси.

Поездка в другой город на конкурс — это незабываемые впечатления, море положительных эмоций, увлекательные экскурсии и радость от побед!

 

 

Наши выпускницы

В большинстве случаев интерес к созданию моделей, коллекций перерастает в будущую профессию. От 60 до 100% выпускниц театра моды «Вдохновение» выбирают профессии, связанные с индустрией моды, и поступают в специализированные ссузы и вузы на внеконкурсной основе по сертификатам. 

       

Киселева (Микова) Екатерина – руководитель детского театра моды «Образ», МБУ ДО г.Ульяновска «Детско-юношеский центр №3»

       

Яшар Ксения – стилист, разрабатывает образы для музыкальных клипов, рекламы и фотопроектов в г.Москва


     

Никулина Евгения -

Digital manager в Mod’Art International St. Petersburg - французский институт моды в г.Санкт-Петербург

       

Слободина Светлана – директор по продукту в компании Melon Fashion Group, бренд beefree в г. Санкт-Петербург

     

Ложкина Светлана – дизайнер, свадебные платья Svetlo, г. Ярославль

     

Гусева Александра – дизайнер, «Gloria Jeans», г. Москва

     

Будина Ирина – ведущий дизайнер, салон штор «Белая река»

     

Клабукова Екатерина – ВГУ, преподаватель «Конструирование и моделирование одежды»

     

Ерошкина Наталья – дизайнер интерьера

     

Клабукова Ирина – руководитель театра моды, п.Бобино, Кировская обл.

     

Калинина Ольга – руководитель школы шитья

     

Блэк Светлана – руководитель школы дизайна одежды «От руки», г. Санкт-Петербург

 

 

Девчонки! Вы все талантливы!

Поверьте в себя и приходите к нам.

Мы рады принять вас в любое время года.

Главное - ваше желание.

 

 

 

30 лет театру моды «Вдохновение»

2020-2021 учебный год - юбилейный для нашего коллектива.

Давайте вспомним, с чего все начиналось.

 

В объединении реализуются следующие дополнительные общеразвивающие программы:

Опыт демонстрации одежды

Основы декоративного творчества

Основы конструирования и моделирования

Дизайн костюма

Творческая мастерская

Основы дизайна

Хореографическая школа г. Енисейска | Театр моды

Коллекция "Привет, 60-тые!"

Легендарные 60 - е годы - это ярчайшее десятилетие в истории в мировой моды,свободное и экспрессивное, период торжественного шествия молодежной моды.Первые полеты человека в космос.Мода как зеркало отображает эти события - лучшие моменты 60-х создают свои коллекции на космическую тему. В Лондоне появилась на свет самая скандальная одежда шестидесятых - мини-юбка,символ эмансипации. Говорят что мода возвращаются. Но некоторые полагают, что раньше одежда была элегантней, причудливей и интересней, а шапки более "шляпные" 

Коллекция "Масленица"

Коллекция "Русский сувенир"

Возможно ли соединить молодежную креативную моду и декоративные традиции русского костюма?...Безусловно! Еслив качестве декора использовать "лоскутную мозайку". Лоскутные работы в русском стиле отличаются особой яркостью, "весельем" красок. Для них характерно многоцветие, гармоничное сочетание пестрого с пестрым, а так же умелое использование в одном изделии тканей разных фактур.

Коллекция "Купола"

Коллекция "Красно солнышко"

Русский народные костюм, это не только источник творчества для дизайнеров, но и всегда яркое и красочное зрелище.Русский костюм - это произведение искусства, образец гармонии цвета и линий, от отражают душу набора и его представление о прекрасном. Соединив в себе множество видов ремесел и руководителя, он стал своеобразным памятником художественному гению русского народа.Одним из видов в области "прекрасного" является и павлопосадский платок.

Коллекция "Сказание о земле Сибирской"

«Лебедь белая». «русская лебедушка». «пава» - так называли девушек из северных российских губерний, которые отличались не только внешней красотой, но и особой статью, плавной и величавой походкой, особо богатым костюмом. Этому чистому образу русских красавиц посвящена коллекция «Сказание о земле Сибирской». Коллекция необычна по своему исполнению. Очень многие детали и элементы русского народного костюма выполнены в технике «макраме» и технике «батик» - роспись по шелку Именно эта «рукотворность» и поразила итальянское жюри на Международном конкурсе…в г.Сочи «Надежды Европы» в2015г и была награждена Дипломом –«Специальный приз за бережное отношение к культурному наследию»

Коллекция "Феи среди нас"

Выпускной бал - это одно из прекраснейших и романтических событий в жизни.Память об этом вечере остается с нами на всю жизнь.А многочисленные фотографии и видео.Конечно, хочется выглядеть в этот день соответственно:модно,стильно,элегантно,романтично!А что может быть романтичнее и чувственнее,чем наряды из шелка и тюля в нежной гамме.

Театр моды, ГБПОУ "Воробьевы горы", Москва

Театр моды «Василиса». Азбука моды (9-11 лет)

Программа учитывает индивидуальные особенности каждого обучающегося и его способности к творчеству, знакомит с основными понятиями: «одежда», «гардероб», «наряд», с миром профессий в области моды, развивает интерес к процессу создания одежды. При выполнении практических заданий акцент направлен на стильные аксессуары, швейные изделия простого кроя, предметы интерьера с учетом самых последних модных тенденций. Перечень создаваемых швейных изделий очень разнообразен: веселые декоративные прихватки, сумочки, шарфики, декор футболок, юбочки, панамки или банданы, летние наряды. На занятиях обучающиеся овладевают навыками ручного шитья и шитья на швейных машинах включаются в творческий процесс создания одежды и аксессуаров для себя. И для театра моды. На занятиях дети, постигая азы мастерства, играют в моду.

Педагог

Расписание

-

сб 11:00-12:00, 13:00-14:00
каб. 5.22

Дополнительная информация: 8(495) 536-00-00 (доб.20-02)

Театр моды «Василиса». Шить легко и быстро (10-17 лет)

В программе: использование авторских методик и технологий, позволяющих научиться шить современные вещи для себя, используя возможности современной техники. Большое внимание уделяется конструированию швейных изделий сложного кроя. Повседневные и выпускные платья, ансамбли из двух-трех предметов. Занятия помогают выбрать и сшить те модели одежды, которые выгодно подчеркивают достоинства и скрывают проблемы фигуры. Обучающиеся включаются в процесс создания авторских моделей с использованием приемов декоративного оформления (плетение, вышивка, роспись ткани, аппликация).

Педагог

Расписание

Воропаева Наталья Васильевна

вт 17:00-20:00
вс 12:00-15:00
каб. 5.22

-

сб 14:30-17:30
каб. 5.22

Анулова Людмила Вячеславовна

пт 17:00-20:00
каб. 5.22

Дополнительная информация: 8(495) 536-00-00 (доб.20-02)

Театр моды «Василиса». Рисуем моду. I ступень (9-16 лет)

Программа предполагает обучение азам и основным понятиям в области композиции костюма, знакомство с профессиями, связанными с проектированием одежды. Программа даёт начальную подготовку в области моды и является важным этапом на пути становления юного дизайнера одежды. Обучающиеся получают знания по истории моды, развивают образное мышление, овладевают умениями и навыками коллажа, рисунка, создают первые костюмы из различных материалов. Основной акцент направлен на взаимосвязь истории, культуры и практической деятельности юного художника-модельера.

Педагог

Расписание

Анулова Людмила Вячеславовна

пн 16:00-17:00
вс 11:00-12:00
каб. 5.22

Дополнительная информация: 8(495) 536-00-00 (доб.20-02)

Театр моды «Василиса». Рисуем моду. II ступень (10-18 лет)

Программа предполагает, развитие творческих способностей, необходимых для создания предметной среды в области дизайна костюма. Обучающиеся узнают о возможных путях развития моды, об основных пропорциях, пластике движений при построении формы фигуры; Программа включает обучающихся в процесс создания гармонической предметной среды в области дизайна одежды и является важным этапом на пути выбора будущей профессии. Обучающиеся овладевают знаниями, умениями и навыками графического выполнения эскизов костюмов, разрабатывают авторские коллекции моделей одежды, опирающиеся на историю, традиции и «острое чувство» современности. Обучающиеся пользуются знаниями в области истории костюма в своей творческой практической деятельности при разработке моделей и конструкций современной одежды. К концу обучения они смогут разрабатывать эскизы моделей одежды с учетом тенденций моды, подбирать ткани для коллекции.

Педагог

Расписание

Анулова Людмила Вячеславовна

пн 17:00-20:00
вс 12:00-15:00, 15:30-18:30
каб. 5.22 / 5.14

Дополнительная информация: 8(495) 536-00-00 (доб.20-02)

Театр моды «Василиса». Дизайн одежды (12-18 лет)

Программа является объединяющей для всех программ Театра моды «Василиса». Программа помогает сформировать у обучающихся новый взгляд на современную предметную среду, дает им понимание тех законов, которые вызывают к жизни новые направления в дизайне и моде. Обучающиеся участвуют в разработке и создании различных швейных изделий сложного кроя занимаются конструированием, моделированием и декорированием одежды. Участвуют в разработке и пошиве коллективных и авторских коллекций моделей одежды для участия в различных конкурсах и показах. Занятия позволяют создавать новую интересную фактуру тканей в соответствии с общим замыслом костюма; разработать макет будущей конструкции модели коллекции в соответствие с эскизом и выбранной тканью; выполнять декорирование костюма. При этом обучающиеся становятся юными исследователями моды, участвуя в разработке модных проектов.

Педагог

Расписание

Воропаева Наталья Васильевна

чт 16:00-19:00
каб. 5.22

Дополнительная информация: 8(495) 536-00-00 (доб.20-02)

Театр моды «Василиса». Сценическое движение в театре моды. I ступень (8-14 лет)

В программе: обучение элементам сценического движения с учетом специфики детского театра моды, с основными элементами танцевальных движений, знакомство с различными жанрами хореографического искусства: эстрадным, народно-сценическим, классическим, историко-бытовым, бальным; с основными элементами подготовки юной манекенщицы (основы дефиле).

Педагог

Расписание

Трофимова Алена Алексеевна

вт 16:00-17:00
вс 12:00-13:00
каб. 5.2.10

Кветная Жанна Рашатовна

сб 10:00-11:00, 12:00-13:00
каб. 5.2.10

Дополнительная информация: 8(495) 536-00-00 (доб.20-02)

Театр моды «Василиса». Пластика (8-14 лет)

Программа разработана для подготовки мышечного аппарата обучающихся, коррекции осанки путем укрепления мышц спины, правильного исполнения движений дефиле. В ходе реализации программы, обучающийся воспитывает выносливость и уверенность в себе, развивает координацию движений, развивает аналитическое мышление.

Педагог

Расписание

Кветная Жанна Рашатовна

сб 11:00-12:00, 13:00-14:00
каб. 5.2.10

Дополнительная информация: 8(495) 536-00-00 (доб.20-02)

Театр моды «Василиса». Сценическое движение в театре моды (8-18 лет)

В программе: обучение искусству движения в пространстве моды, знакомство с профессиями: «демонстратор одежды», «манекенщица»; с особенностями танцевальных движений и комбинаций на подиуме. Детский театр моды невозможен без постоянной работы над развитием у детей навыков движения, без изучения основ гармонии человеческого тела, создания художественного образа через сценическое движение и актерское мастерство. Работая над коллекциями одежды, юные модельеры учатся представлять взаимосвязь между действием, музыкой и движением манекенщиц на подиуме, владеют навыками дефиле и различными танцевальными приемами, участвуют в студийных конкурсах мастерства, демонстрируют коллекции моделей одежды на различных площадках Москвы и выезжают на фестивали и конкурсы в другие города. Программа знакомит с правилами построения показа с использованием схем дефиле и танцевальных движений.

Педагог

Расписание

Трофимова Алена Алексеевна

вт 17:00-18:00
чт 19:00-20:00
вс 15:00-17:00, 17:00-19:00
каб. 5.2.10 / 5.2.5
Кветная Жанна Рашатовна

ср 16:00-17:00
сб 17:30-19:30
каб. 5.2.10

Дополнительная информация: 8(495) 536-00-00 (доб.20-02)

Основы композиции в театре моды (8-15 лет)

Обучение композиции в театре моды при создании художественного образа предполагает объединение всех составляющих костюма в одно целое, выражающее определенную идею, мысль, образ. На занятиях первостепенное внимание уделяется композиционному значению при работе над произведением в целом, независимо от вида деятельности.

Новое время, новые технологии переместили акценты в содержании художественного образования. Повышение требований к качеству выпускаемых изделий приводят к необходимости обучения творческой личности, способной на оригинальные идеи. По результатам освоения программы, обучающиеся поймут, как создаются изделия в области модной индустрии.

Педагог

Расписание

Анулова Людмила Вячеславовна

пн 15:00-16:00
вс 10:00-11:00
каб. 5.2.2
Воропаева Наталья Васильевна ср 15:00-16:00
каб. 5.2.2
- сб 10:00-13:00
каб. 5.2.2

Дополнительная информация: 8(495) 536-00-00 (доб.20-02)

Иммерсивный фэшн 20-х, или театр моды в советской России

Действия первое и второе трехчастной «Чайки» в Электротеатре «Станиславский» по форме представляют из себя показ мод. Оттолкнувшись от реплики «Отчего вы всегда ходите в черном?», с которой начинается пьеса, режиссер Юрий Муравицкий буквально надел на героев текст, характер которого отражен в костюмах и действиях актеров. Но изначально театрализованные показы были маркетинговым инструментом, привлекающим богатых модников Европы. «Театралий» возвращается к истокам этого явления в России и публикует отрывок из книги искусствоведа Ольги Хорошиловой «Молодые и красивые. Мода двадцатых годов» об истории московского Ателье мод, театрализованное открытие которого продолжило традицию, незадолго до этого начатую в Париже.

Все это кажется маловероятным. Похоже на какую-то добрую партийную сказку. Была девочка, Оля Сеничева, внучка шахтера, дочь металлурга, умница-красавица, отличница и без пяти минут комсомолка. И вот в пятнадцать безумных лет она, отвергнув романы, грезы и косы (которые безжалостно срезала), поступила на работу ответственным секретарем управления театров Московского отдела народного образования. И, действительно, была очень ответственной. Присутствовала на собраниях, диспутах и встречах именитых артистов, режиссеров, политиков. Познакомилась с Маяковским, Кончаловским, Луначарским.

Трейлер спектакля «Чайка» Электротеатра «Станиславский»

В 1921 году ее, шестнадцатилетнюю, назначили организатором выставки общей и кустарной промышленности в рамках III конгресса Коминтерна. Она владела двумя иностранными языками (как сама утверждала) и, верно, имела крепкую партийную протекцию, помогшую занять такую серьезную не по годам должность. Работы был непочатый край: «Ни мебели, ни декоративных материалов, — вспоминала Ольга Дмитриевна, — Так, знаете, что мы придумали? Обтянули скамейки холстом и по нему нашили аппликации из красного шелка в виде шестеренок, положение было спасено». За свой самоотверженный выставочно-организационный труд она получила отрез добротного домотканого холста, из которого тут же заказала милое демисезонное пальто. Воодушевленная успехом и первым признанием партийцев, Сеничева отправилась на прием к Павлу Романовичу Трифонову, члену правления Москвошвей. Было это, скорее всего, ранней осенью 1921 года.

Ольга Сеничева в костюме и шляпе от «Ателье мод». Начало 1920-х гг. Коллекция Ольги Хорошиловой

Ядром предполагаемого Центра женского костюма предполагалось сделать Ателье мод. «При его создании исходили, прежде всего, из необходимости разработки образцов костюма, соответствующего новому облику трудового человека», — поясняла Ольга Дмитриевна. Это означало, что в нем планировалось создавать в равных пропорциях цивильную женскую одежду и разнообразные виды униформы, в том числе рабочую и военную. Масспошив здесь предполагалось сочетать с индпошивом, который выполняли технологи вместе с именитыми художниками. Это было ново и, пожалуй, даже смело: «К работе в Ателье мод предполагалось привлечь известных русских художников, что было принципиально новым для швейной промышленности. Таким образом, Ателье мод, руководимое специалистами-художниками, ставило своей основной целью разработку моделей массовой одежды с учетом прогрессивного направления современной моды и национальных особенностей лучших образцов русского искусства для производства на предприятиях Москвошвея».

«Молодые и красивые. Мода двадцатых годов», Москва, «Этерна», 2016 год

Идея прекрасная, наполеоническая. Ателье мод как средоточие всего нового в искусстве и костюме. Непритязательная удобная повседневная одежда, высококачественная форма производятся массово, наряды для джазовых вечеринок и нэпмановских разгульных ночей шьются индивидуально, с художественным вывертом, с искрой. Народ одевается, щеголи фасонят, государство богатеет, частные портные терпят убытки, потому что сознательные граждане несут средства, минуя нэпманов, в государственную организацию — Ателье мод при Москвошвее. Все довольны, все славят мудрое правительство.

Товарищ Трифонов, конечно, идею эту горячо поддержал, но сказал, что средств нет, и предложил вариант в духе НЭПа: Москвошвей перечисляет средства только на покупку оборудования, предоставляет помещение на Петровке, 12 с баулами нереализованного дорогого текстиля, конфискованного во время революции у крупных мануфактурщиков, сотрудники делают ремонт на собственные деньги и через полтора-два года возвращают Москвошвею полученные в кредит средства. При успехе предприятия Ателье мод получает 30 % от прибыли, а до момента выплаты кредита живет на «минимальный аванс».

Шестнадцатилетняя девушка с радостью согласилась, дала клятву все вернуть до копейки и оправдать возложенное на нее доверие руководящих товарищей. Себе в компаньоны она пригласила Надежду Ламанову, опытного стратега и модельера с необходимыми связями. Коль скоро Трифонов выделял для Ателье горы драгоценного текстиля, решили сначала нашить превосходных вечерних нарядов и продать их московским нэпманшам чуть дешевле, чем их предлагали частные ателье по соседству. Полученными деньгами расплачивались за кредит, а оставшуюся сумму пускали на организацию качественного массового пошива, не забывая основательно вложиться в рекламу, которую тогда вновь стали считать двигателем торговли. В общем, расчет был верным.

Место также выбрали подходящее. Петровка и в дореволюционные времена, и в начале расцвета НЭПа была центром московской моды. Здесь работали десятки портновских мастерских и магазинов. Сюда ежедневно стекались богачки со всей красной столицы. Сеничева и Ламанова надеялись отбить клиентов у частников рекламой и высоким качеством одежды на заказ.<…>

Вера Мухина. Проект эстрадного платья из жесткой тафты. Основные линии этого проекта были использованы скульптором позже в создании знаменитой вазы из стекла «Астра». Разработан для «Ателье мод». Журнал «Ателье», 1923 год

Первую коллекцию подготовили в срок. Назначили день и время ее официального представления. Но просто распахнуть двери, встретить почетных гостей, рассадить их и показать наряды не захотели. Теперь сложно сказать, кому именно принадлежала идея громкой, в нью-йоркском стиле, рекламы Ателье, Надежде Ламановой, Ольге Сеничевой или, быть может, ее заместителю и будущему мужу Борису Кащенко. Но идея проста и гениальна. Придумали талантливый рекламный трюк с легкой ноткой скандала.

«Нужно было позаботиться о рекламе, — вспоминала Ольга Дмитриевна, — Большое внимание уделили оформлению витрин. Когда плотно задернутые шторы, наконец, раздвинулись, в витринах прохожие увидели манекенщиц, демонстрировавших созданные модели». «В одной витрине они были одеты в выходные туалеты, а в другой манекенщицы демонстрировали простые платья из русского холста с вышивкой. Так состоялось открытие Ателье мод. Мгновенно перед витринами образовалась огромная толпа, движение по Петровке, Столешникову, Кузнецкому остановилось. Не прошло и двадцати минут, как, с трудом пробившись через толпу, в Ателье появился начальник московской милиции. Он был очень взволнован и требовал немедленно прекратить демонстрацию мод. Закрыли занавеси. Народ не расходился. Спорили, живые были женщины на витринах или куклы… Повесили табличку: “Демонстрации больше не будет”, — стоят… Еще потом целую неделю народ не отходил от витрин: а вдруг снова что-нибудь покажут».

Оперная певица Антонина Нежданова (1873-1950)

После публичного представления Ателье прошла его «закрытая» презентация, на которую пригласили только звезд театра и влиятельных партийных лиц, в том числе Анатолия Луначарского. Ольга Сеничева оставила описание и этого события: «1922 год. Ателье моды распахнуло свои двери. Дом № 12 на Петровке ярко освещен. У подъезда швейцар в форме, разработанной художниками-модельерами. Красив демонстрационный зал. Трудно поверить, что совсем недавно здесь было холодное, неотапливаемое помещение с нестроганными столами и скамьями, с разбитыми и замазанными штукатуркой окнами. блестит парча драпировок и обивки мебели. В зале много артистов, среди них — А. В. Нежданова. Заиграл оркестр под управлением популярного в то время Ф. Криша. На сцену выходят известные актрисы в созданных в Ателье модных туалетах. Среди них солистка Большого театра А. Тихонова, артистки театра оперетты К. Новикова, Р. Лазарева, эстрадные танцовщицы и другие. Показ мод превратился в своеобразный концерт. Присутствующие награждали аплодисментами почти каждую модель. В сценках-миниатюрах участвовали штатные манекенщицы. Позднее демонстрации мод регулярно стали проходить в форме концертов».

Привлечение к участию в показе звезд театра и оперы — замечательный рекламный ход. Среди них были потенциальные клиентки Ателье, богатые балованные дамы, превосходно разбиравшиеся в моде. Рассчитывали на то, что актрисы, опробовав платья на подиуме и сорвав аплодисменты, непременно закажут себе такие же, чтобы произвести аналогичный фурор на раутах и вечеринках. Пресса замечательно среагировала на громкие имена и мгновенно разнесла известия об Ателье. Важно и то, что Сеничева и ее сотрудницы шли нога в ногу с парижскими модельерами Жаном Пату, Коко Шанель, Жанной Ланвен, которые устраивали похожие дефиле с участием звезд, под музыку камерных оркестров, в присутствии именитых гостей.

Выдумке сотрудников Ателье мод не было предела. За короткий период они сочинили столько новых рекламных ходов, что, безусловно, опередили свое время на многие десятилетия. Вдохновленные успешным концертным показом, Сеничева и компания организовали еще несколько подобных дефиле на разных модных площадках Москвы, в том числе в дансингах, местах сосредоточения нэпманов и богатых иностранцев. «Лучшие танцы были тогда в ресторане “Эрмитаж”. Туда мы направляли наших манекенщиц демонстрировать модели. Манекенщицы сидели за столиками с нашей эмблемой, они себе что-нибудь там заказывали, их приглашали танцевать… А когда в зал входила я, конферансье Алексеев провозглашал: “Прошу туш! Прибыла директриса Ателье мод!”». И начинался показ. Сложно сказать, знала ли Ольга Сеничева о театрализованных дефиле Поля Пуаре и о том, как его модели непринужденно скользили меж дамами и господами во время скачек в Лоншане (с такими же номерками и журнальными улыбочками). В любом случае, для красной Москвы этот любопытный театрализовано-танцевальный опыт был первым и практически равным Парижу.

Проект стильного платья, состоящего из трех частей. Разработан для «Ателье мод». Журнал «Ателье», 1923 год

Сеничеву, как и Пуаре, интересовали ипподромы как возможные места публичной демонстрации коллекций. В июне 1923 года Ателье мод устроило бега на московском ипподроме с одновременным представлением нарядов. Впрочем, инициатива исходила от Комиссии ВЦИК по улучшению жизни детей, предложившей Ателье с помощью забегов помочь собрать деньги на нужды маленьких беспризорников и сирот. «Комиссия предоставила нам по этому случаю застоявшихся в своих конюшнях бывших царских лошадей. — вспоминала Сеничева-Кащенко. — Мы пригласили известных актрис, специально сшили им роскошные туалеты. Я же для контраста выбрала себе скромный наряд — черное платье с большим красным воротником и черный кокошничек. Дамы расселись по экипажам, и кавалькада двинулась по Ленинградскому шоссе к бегам. Люди с удивлением смотрели на это великолепие и не верили своим глазам… На ипподроме завсегдатаи бегов делали ставки на наши экипажи. Состоялось два заезда. Знаете, как страшно было!.. Коляски для бегов не приспособлены, лошади обезумели от долгого безделья… Сидишь, вцепившись в сиденье, и вдруг рядом возникает страшная лошадиная морда, глаза горят, на губах пена — это нас настигает чей-то экипаж… Но в обоих заездах я пришла первой! После этого дня Ателье передало Комиссии ВЦИК по улучшению жизни детей большую сумму денег».

Помимо громких публичных показов Ателье рекламировало свою продукцию всеми другими возможными способами: с помощью кино, журналов, выставок. Сразу после шумного открытия запустили «Кинохронику мод», призванную не только рекламировать новые коллекции Ателье, но и просвещать зрителей, развивать их чувство вкуса, повышать уровень знаний в области дизайна и моды. «Нужно было доказать, — пишет Ольга Дмитриевна, — что красивый удобный костюм помогает формированию нового облика трудящегося человека, а такие вещи, как галстуки, шляпы, вовсе не обязательно являются символами мещанства». Сеничева запланировала целую серию фильмов, посвященных жизни и работе Ателье. Но, вероятно, удалось снять лишь один, автором которого был Эдуард Тиссэ, в будущем известный советский оператор. В кадре появлялась актриса Антонина Васильевна Нежданова, медленно, с достоинством дамы Прекрасной Эпохи, ходила и плавно поворачивалась, демонстрируя все прелести и ракурсы новых нарядов от Ателье мод. <…>

Стиль во всем — в театре и моде | 26.02.2019 | Общество | Центр71

Продемонстрировать эффектную модельную походку, красоту движения и костюма. И все это в рамках костюмированного спектакля. Этими навыками могут похвастаться воспитанницы тульского театра моды «Стиль». В феврале коллектив отметил 30-летний юбилей.

 

Театр моды «Стиль» — это соединение нескольких видов творчества: театра, режиссуры, сценографии и хореографии с модой, подиумом, нестандартным восприятием и осмыслением тенденций в одежде. Воспитанницы под руководством педагогов рисуют эскизы, создают костюмы и головные уборы, ставят хореографические номера, а затем представляют их в рамках театрализованных шоу на сцене.

От задумки до реализации

Этот театр начинается с мастерской. В ней участницы коллектива занимаются моделированием, дизайном и пошивом костюмов. Не отстают и самые маленькие — с 5 лет мастерицы изучают азы шитья и занимаются рукоделием.

Не менее значительную часть работы в коллективе занимает сценическая деятельность (дефиле, сценическое движение, хореография, актерское мастерство). Участницы театра моды учатся с помощью движений и пластики передавать идею, которую несет в себе костюм, использовать «язык» одежды для достижения желательного впечатления. Визажист и парикмахер учит девушек от 13 лет и старше искусству макияжа и причесок.

— Театр моды — это чисто русский бренд. В других странах этого нет. Мы теперь это точно знаем, т. к. выезжали за границу. Первый раз в 2017 году. Это был фестиваль «Сокровища Эллады» в Греции. Заняли 1 место. Познакомили греков и некоторых наших соотечественников с тем, что такое театр моды. В представлении многих — это просто дефиле. На деле — дефиле — это лишь малая часть того, что мы делаем. Каждый номер — это спектакль. Мы стараемся, чтобы в нем была завязка, развитие, кульминация. Этим «Стиль» отличается от других модельных агентств, — рассказывает Елена Сергеева, художественный руководитель театра моды «Стиль», постановщик театрализованных программ.

Покорили туляки и французского модельера Пьера Кардена во время визита в Париж в составе делегации от Ассоциации "Золотая игла" под руководством Ларисы Костровой. Маэстро понравились коллекции театра моды в русском стиле.

— С дизайнером театра моды «Стиль» Еленой Мотох нам посчастливилось войти в состав делегации руководителей театров моды, которая ездила в Париж на встречу с Пьером Карденом, — продолжает Елена Сергеева. — Мы встречались с самим маэстро, руководителями его дома моды, приемником Родриго Басиликати. Мы рассказали о деятельности театров моды в России. Маэстро был удивлен, что такие сложные вещи могут шить дети, а потом воплощать их на сцене. Такого нет нигде. Европейские дизайнеры всегда с удивлением и восторгом относятся к нашей работе.

По итогам визита туляки получили приглашение выступить во Франции на фестивале детских театров моды.

Рекордное количество участников

Сегодня в театре моды занимается рекордное количество участников за всю историю — около 100 человек. Это поклонники моды и театра, начиная от малышей и заканчивая выпускниками, которые даже повзрослев, не покидают «Стиль».

Проследить преемственность поколений можно было на концерте, посвященному 30-летию театра-студии моды. В показе приняли участие как пятилетние воспитанники, так и 30-летние выпускники, ровесники театра. Они уже не занимается, но с удовольствием пришли поучаствовать в шоу. Зрители всегда рады их возвращению.

О России с любовью

Театр моды постоянно развивается. Со временем от более простых движений девушки перешли к исполнению сложных хореографических, акробатических элементов. Сегодня на сцене их можно увидеть не только в туфлях на шпильке, но и даже на пуантах, как в спектакле «Музыка моды и любви». Добавилась и еще одна обязательная дисциплина — актерское мастерство. Без него театра моды не получится.

— На занятиях по актерскому мастерству учим воспитанников быть естественными. Все то, что мы умеем в жизни — действовать, оценивать, воспринимать — на сцене надо этому заново учиться, в условиях конкретно построенного сюжета, — отмечает педагог актерского мастерства — актер тульского академического театра драмы Сергей Сергеев.

Результат работы на лицо — на суд зрителей коллектив традиционно представляет яркие и незабываемые шоу. Один самых красочных спектаклей «Алиса в стране чудес».

На протяжении спектакля зрители прикасаются к тайне превращения костюма в музыкальный инструмент, становятся свидетелем историй любви и веселого флирта, а геометрические фигуры на глазах превращаются в совершенные костюмы космического будущего.

Регулярно театр моды обращается к композициям патриотического содержания. Тема находит отклик в коллекциях «К России светлая любовь», «Всей души моей Россия», «Свечи», «Родовое гнездо», «Краса России», «Сударушка», «Храмы России», «Воины».

— Планируем делать новое отделение посвященное России. Проследить историю страны от язычества до крещения Руси. Итоговый результат результат зрители смогут увидеть весной 2020 года, — говорит руководитель школы современной моды, дизайнер театра моды «Стиль» Елена Мотох. — Многие коллекции на русскую тему стали нашей визитной карточкой. На создание костюмов из коллекции «Храмы России» вдохновили Успенский, Исаакиевский соборы, собор Василия Блаженного, Церковь Покрова на Нерли. Они олицетворяют Россию, патриотизм. Коллекция «Варенька» создавалась на основе тульского костюма, который получил современную обработку. Ее показывают с 2011 года. В основе многих коллекций идеи, которые подают сами воспитанники. В прошлом году мы создавали коллекцию на русскую тему «Родовое гнездо». Мы ее делали по деревянному зодчеству России. Птичьи гнезда, которые присутствуют на головных уборах моделей, олицетворяют отчий дом, всю красоту и первозданность глубинки. Всего в год отшивается порядка 4 коллекций. В каждой задействовано от 6 до 10 участников. Иногда и больше.

Кстати, костюмы из прошлых коллекций театра моды также находят свое применение и сегодня. В номере «Музыка моды» каждая девушка олицетворяет собой музыкальный инструмент. Сложно поверить, но сегодня ему уже 10 лет. Тем не менее, он и по сей день неизменно пользуется успехом у зрителей.

Из первых уст

- Я знакома с театром порядка 8 лет. Пришла в 11 лет. Здесь я научилась всему. В первую очередь, шить. В школе не было технологии,  - говорит артистка театра моды Тамара Короткова. - В «Стиле» я получила первый опыт владения иголкой. Мы занимались пэчворком (по принципу мозаики сшивали цельное изделие из кусочков ткани), делали первую сумку, потом платье. И, конечно же, я освоила дефиле. Первые 5 лет я занималась здесь практически каждый день, кроме пятницы и воскресенья, потому что в эти дни не было занятий. У нас также были занятия актерским мастерством. Каждый день было интересно. Мы шили коллекции. Меня сразу заметили. Мне было приятно, что на фоне других девчонок меня выделили. И так на протяжении всего времени. Сейчас я продолжаю занятия. «Стиль» невозможно не любить.

Справка «Центра 71»

Театр моды — синтез нескольких творчеств, направленных на создание художественных образов (костюмов), через режиссуру, показ, музыку, сценографию и хореографию. Каждый показ - это красочное шоу, в котором модели демонстрируют тенденции в театральном костюме.

Театр-студия моды «Стиль» была создана в сентябре 1989 г. Долгие годы ее руководителем была Роза Кудрявцева. Сегодня Роза Алексеевна почетный гость всех мероприятиях «Стиля». Театр-студия моды является членом ассоциации «Золотая игла» под патронажем Вячеслава Зайцева. «Стиль» является победителем и лауреатом многочисленных международных и всероссийских конкурсах и фестивалях. Вот уже 30 лет занятия коллектива проходят в Городском центре развития и научно-технического творчества детей и юношества.

Театр моды

Содержание программы (144 часа)

1.Вводное занятие. Инструктаж по технике безопасности.

Рабочее место. Пошив игольницы.2 часа

Цели и задачи обучения: Содержание программы объединения. Правила поведения в мастерской. Правила безопасной работы и личной гигиены. Организация рабочего места. История шитья. Ручные стежки, пришивание пуговицы. Раскрой и пошив игольницы.

 

2. Происхождение костюма. Эволюция костюма.2 часа

 

3. Костюм как историко-культурный источник. Функции костюма.2часа

Экскурсия в краеведческий музей, рассказ о пудожском костюме.

4. История костюма.4 часа

Основные характеристики модных направлений одежды разных эпох.

5. Творческие аспекты создания костюма. 16 часов

Этапы создания коллекции, разработка костюма.

6. Рисунок фигуры человека. Графический эскиз костюма.4 часа

Основные пропорции фигуры человека, способы изображения эскизов костюма.

7. Актерское мастерство. Искусство дефиле. Техника красивой походки.4 часа

Информация об истории модельного бизнеса, его структуре, характерных особенностях и тонкостях, знакомство с принципами международной индустрии моды.Постановка шага. Формирование навыков техники движения на подиуме; работа над созданием сценического образа при демонстрации моделей на подиуме; обучение различным стилям профессиональной походки.Упражнения на развитие пластики рук, осанки.

8. Искусство грима, прически и макияжа.4 часа

Обучение нанесению грима и макияжа, создание причесок.

9. Создание коллекции одежды из нетрадиционных материалов "Зимушка-краса«.20 часов

Разработка идей, создание эскизов, подбор материалов, практическое выполнение коллекции.

10. Основы дизайна и композиции одежды.10 часов

Дизайн как вид искусства. Профессия дизайнера одежды. Знакомство с деятельностью и работами ведущих модельеров.

11. Силуэт и стиль современной одежды.6 часов

Определение силуэтов и стилей. Этапы изготовления одежды. Эскизы.

12. Каталог форм и деталей в одежде. 6 часов

Формы и детали, используемые в дизайне одежды, их назначение. Эскизы вырезов горловины и воротников.

13. Виды и свойства тканей.6 часов

Природа и свойства волокон, характер расцветок и отделки. Каталог тканей по временам года. Определение лицевой и изнаночной сторон. Подбор образцов тканей к эскизам моделей.

14. Композиция костюма. Цветовые решения.6 часов

Понятие термина «Композиция костюма». Свойства композиции: контраст, тождество, нюанс. Композиционный центр. Симметрия и ассиметрия в костюме. Цветовая гармония в костюме. Эскизы.

15. Создание коллекции одежды «Притяжение онежских петроглифов» 42 часа

Разработка идей, создание эскизов, подбор материалов, практическое выполнение коллекции.

16. Театрализованное представление коллекции одежды

"Притяжение онежских петроглифов" 10 часов.

Создание сценария театрализованного представления коллекции одежды, подбор музыки, атрибутов, декораций. Подготовка дефиле.

Сюрреалистический «театр моды» от Christian Dior

Переводчик
Elena Strachkova

Опубликовано
7 июл. 2020 г.

В фильме, снятом среди римских развалин режиссером Маттео Гарроне, перед нами предстают нимфы, русалки, фавны и прочие мифические персонажи, обитающие в элегическом саду. Видео напоминает о таком явлении конца Второй мировой войны, как «театр моды», когда демонстрировать творения французских кутюрье отправляли изящных кукол-манекенов – фэшн-посланницы в другие страны Европы и в США, они должны были послужить возрождению модной индустрии Франции.

Коллекция Christian Dior Haute-Couture, Осень-Зима 2020/21 - Dior


В фильме Гарроне идиллически-мечтательное времяпрепровождение прекрасных лесных созданий ненавязчиво прерывается двумя портье, несущими огромный короб, выполненный как флагманский магазин Dior на авеню Монтень. Полуобнаженные красавицы, только что плававшие под старым мостом, незамедлительно заинтересовываются содержимым этого багажа и оставляют свое занятие, предпочтя ему знакомство с миниатюрными произведениями От-Кутюр.

Открывается фильм кадрами из знаменитого ателье дома Dior, где искусные мастерицы работают над коллекцией, колдуя тонкой иглой над атласным нарядом или аккуратно надевая плиссированное платье-колонну на куклу больше 18 дюймов ростом (около 50 см. – Прим. пер.).  

Один из образов коллекции - Dior


Словом, это история о том, как волшебные чаровницы влюбились в одежду, и называется она «Le Mythe Dior» (фр. «Миф Диор»).

Неведомо откуда взявшимся носильщикам даже удалось выманить из гигантской раковины дикарку с точеной фигурой, позволившую снять с себя мерки для греческого платья-колонны с мягкими сборками. Под аккомпанемент меланхоличной мелодии Паоло Буонвино посыльные аккуратно обмерили даму сантиметровой лентой.  

«Во время Второй мировой войны художники и кутюрье объединили усилия, чтобы создать театр моды, – миниатюрных кукол, которым в их костюмах предстояло совершить мировое турне. Я захотела переработать этот яркий артистический прием, адаптировав его под день сегодняшний», – объяснила Кьюри.

Влияние на дизайнера также оказали «невероятно вдохновляющие представительницы» сюрреализма: фотографы и художницы Ли Миллер, Дора Маар, Доротея Таннинг, Леонора Каррингтон и Жаклин Ламба.

Римлянка, Кьюри провела карантин в Вечном городе. В Риме она и создала эту коллекцию, там же был снят фильм.

Наибольшую известность Маттео Гарроне принесла его киноработа «Догмэн» – мрачная сказка о преступном подполье, которая была отобрана в основной конкурс 71-го Каннского международного кинофестиваля.

В «Догмэне» Гарроне показал неприглядную подноготную постиндустриальной Италии. Работая над «Le Mythe Dior», режиссер и сценарист продемонстрировал уникальное качество итальянских кинематографистов – запечатлел на экране галлюцинаторные фантазии, этакий сон в летнюю ночь на Альбанских горах. 

В чем-то символично, что премьера необычного фильма состоялась в день, когда стало известно о кончине одного из великих уроженцев Рима, – главного композитора итальянского кинематографа Эннио Морриконе.

Только Нарцисс, неспособный оторваться от созерцания своего отражения в водной глади, не заметил появления в сказочном лесу красивой одежды – чисто феминистское наблюдение по поводу мужской самовлюбленности.

В конце фильма даже русалка подобрала себе светло-серое одеяние, чтобы плавать в нем по дну заболоченной реки, пока нимфы заплетают рыжеватые косы своей предводительнице, нарядившейся в платье из золотистого атласа.  
 

Годфри Дини
 

Copyright © 2021 FashionNetwork.com All rights reserved.

Может ли театр поучиться у моды? | Театр


Абсолютно не спектакль ... Показ мод Chanel с одеждой, созданной Карлом Лагерфельдом. Фотография: Дэвид Левен

Недавно я посмотрел фильм «Конфиденциальность Лагерфельда» для бывшей программы онлайн-обзора «Столкновение культур». Если честно, у меня никогда не было много времени для индустрии моды. Это всегда казалось мне отвратительным делом: мелким и тривиальным, иметь дело с нездорово опасными, худыми от расстройства пищевого поведения телами и мерзким менталитетом «деньги - это все».Поэтому я был удивлен, насколько я был очарован этим остроумным, умным фильмом. Меня больше удивило сходство с театром, которое постоянно напрашивалось. В конце концов, показ мод - это, по сути, театр, в котором удалены все части, которые интересуют людей.

Хотите знать, какой была бы драма без сценария, без диалогов, без персонажей и без сюжета? Посетите следующие подиумы в Милане или Нью-Йорке. Есть освещение, декорации, случайная музыка и, если перефразировать Питера Брука, «человек идет по пустому пространству, пока кто-то другой наблюдает за ним».Но это все. И это абсолютно не спектакль.

Следующее, что меня поразило, это то, насколько лучше оплачиваются те, кто работает в индустрии моды, по сравнению с их коллегами в театре. В конце концов, кто такой Карл Лагерфельд, как не художник по костюмам, которому переплачивают? И что такое модель, как не прославленный, сверхплачиваемый копьеносец - даже без необходимости носить указанное копье?

Так почему же театр так сильно зависит от субсидий, в то время как индустрия моды зарабатывает больше денег, чем, ну, ну, одежда? Во-первых, конечно, индустрия моды не зависит от скрытых живых мероприятий в плане доходов.Прямые трансляции - это второстепенный вопрос по сравнению с маркетингом одежды. Во-вторых, эту одежду можно продавать в торговых точках по всему миру, а театр может находиться только в определенном месте и в определенное время.

Но это еще не все. Ведь высокая мода Шанель доступна лишь немногим. Высокая мода с ее ограниченным тиражом, листами ожидания сумок и непомерными ценами вряд ли открыта для большего количества людей, чем спектакль в Театре 503. Два основных фактора разделяют эти два сектора: гламур и стоимость.Они кажутся неразрывно связанными, а в театре их меньше.

Однако это не всегда так. Взгляните на широко разрекламированную, малоизвестную постановку «Отелло» на Donmar. Конечно, номинал билетов был довольно стандартным - даже дешевым по меркам Вест-Энда. Но посмотрите на цены на билеты, которые продаются на eBay. Это скорее наводит на мысль, что Donmar мог совершить абсолютное убийство, взимая более 100 фунтов стерлингов за место.

И что же побудило к этому забегу по билетам, еще до того, как кто-то увидел это шоу? Гламурный, звездный состав и атмосфера дорогой эксклюзивности.Итак, модель несубсидируемого потенциально прибыльного театра действительно существует. Но он черпает всю свою мощь и авторитет из внешних источников - в первую очередь из фильмов и глянцевых журналов - и основан на совершенно ином наборе ценностей.

Питер Брэдшоу отмечает, что многие театры уже социально не равны, описывая «мерзкий, унылый апартеид лондонского Вест-Энда:« хорошие »места за большие деньги, мусорные места за меньшую сумму, во имя богов. " Но по сравнению со структурами ценообразования в модной индустрии, эти затраты явно всеобъемлющие.Да, 60 фунтов стерлингов за билет - это довольно дорого, но по сравнению с сумочкой в ​​1000 фунтов стерлингов он начинает выглядеть позитивно благотворительным. Даже самые дорогие билеты в Ковент-Гарден (165 фунтов стерлингов) не покрывают пару туфель Chanel. Или ужин в фешенебельном ресторане. Или любой вид правильной ночной выпивки в любом из баров Вест-Энда, где астрономические цены используются для обеспечения эксклюзивности.

Нет, проблема театра, по иронии судьбы, не в том, что он слишком дорогой или элитарный, а в том, что он недостаточно дорогой или элитарный.В современной Британии, по-видимому, единственный способ получить настоящее уважение - это слишком дорого за что-то брать и делать это неприемлемо эксклюзивным. Возможно, если бы театр пошел по этому пути, журнал Take a Break был бы полон историй из «реальной жизни» о том, «как я накопил долг в размере 30 000 фунтов стерлингов по пяти кредитным картам, просмотрев пьесы», а не о попытках вести образ жизни подруги футболиста, пока получать зарплату уборщицы. Это то, чего мы действительно хотим?

#SuzyLFW: Мода как театр - и кино

Показы мод часто рассматриваются как искусство, особенно их создатели, которые надеются представить свои работы как нечто большее, чем краткое впечатление от одного сезона.

За один день на Лондонской неделе моды Гарет Пью взял на себя управление крупнейшим и самым захватывающим кинотеатром города, чтобы показать кровавый, кровавый и балетный фильм, чтобы выразить дух его коллекции (которая появлялась исключительно в Интернете в виде изящных предметов, в основном в кроваво красный).

Тот факт, что активисты по защите прав животных выкрикивали проклятия входящим гостям, только добавлял сюрреалистических ощущений от наблюдения за телом Пью, явно теряющим внутренности, в фильме, сфабрикованном фотографом Ником Найтом, хореографом Уэйном МакГрегором и другими художниками.

Кадр из фильма Ника Найта, который сопровождал коллекцию Гарета Пью Весна / Лето 2018

Поскольку дизайнер женился на своей давней партнерше после показа - на церемонии, проводимой Найтом, - это событие могло быть для него более значимым, чем зрители.

И все же Пью поразила реальная сказка, которая произошла затем в историческом лондонском «Палладиум», театральной достопримечательности, где когда-то выступала Джуди Гарланд.

Майкл Халперн

Американский дизайнер Майкл Халперн, дебютировавший в Лондоне в прошлом сезоне с множеством блестящих нарядов, устроил полноценное шоу с красной ковровой дорожкой и цифровым фоном цветов и форм.

Шоу мгновенно стало хитом, одновременно изысканным и невинным, не только с платьями, привлекающими внимание, но и с элегантными брючными костюмами или платьями со складками. В итоге получилось так, что миллениалы представили дискотеку 1970-х годов.

История моды доказала, что в тяжелые времена одежда поражает воображение. Первоначальный голливудский гламур пришелся на светлые волосы на высоких каблуках из времен Великой депрессии. Эффектный блеск Halpern включал в себя красивую цветочную парчу, тигровые принты и перья в форме платья без бретелек.Дизайнеру не нужны были обнаженные пазухи за шелестом пятнистого шифона, но все шло в духе танца до упора.

На ужине, организованном в Palladium интернет-магазином Matches, Майкл Халперн, который привез своего отца из Нью-Йорка, сказал, что не знает, что он будет делать дальше. Просто продолжай сверкать.

Гарет Пью

Что сказать о коллекции Гарета Пью или его фильме? Одежда, представленная в Интернете, выглядит смелой, стройной и мощной, с отблеском космической эры.Но поскольку суть его работы связана с одеждой по отношению к движущемуся телу, кадры из фильма рассказывают только половину истории.

Зная о раннем обучении дизайнера танцам, волнующий финал 25-минутного фильма казался наиболее актуальным для моды. Кровавое начало было фантастическим отрывком из кинематографа, который Пью, возможно, предпочел бы оставить при себе. Но иногда сказки просто случаются.

The Theater of Fashion: Staging Haute Couture in Early 20 Century France

Theater Journal 53.1 (2001) 1-32 «Мода на сцене», экономист галантерейных товаров (23 мая 1903 г.), 23. В современный период связи между модой и театром многочисленны, охватывая не только дизайн костюмов для сцены, или драматический потенциал модных показов, или даже перформативный аспект ношения одежды, но и использование «звезды». система с коммерческой целью запуска новых стилей одежды. Знакомые связи с товарами, которые в 1930-х годах привлекали голливудских кинозвезд к продвижению потребительских товаров среди женской аудитории фильмов, уже действовали, хотя и в несколько менее сложной форме, во французском театре моды начала двадцатого века, который является центром внимания. настоящего эссе.Действительно, существует параллель между рекламной целью, лежащей в основе стратегического позиционирования голливудской киноиндустрии домашней мебели, кухонных принадлежностей, одежды и косметики на экране в непосредственной визуальной или повествовательной близости от звездной актрисы, и повсеместным присутствием французов начала двадцатого века. театральные и модные журналы известных театральных актрис представлены на портретных фотографиях в полный рост, каждый из которых сопровождается заметной подписью с указанием не только актрисы и названия драматической постановки, в которой она снялась, но и дизайнера платья, которое она носила, и в некоторых случаях также и служебный адрес этого модельера (рис. 1).Без каких-либо явных доказательств того, что эти последние изображения следует понимать либо как рекламу, с одной стороны, либо как визуальную поддержку редакционной копии, с другой, они функционировали неоднозначно и, возможно, по этой причине особенно эффективно, создавая впечатление, что звезды были одобряют одежду своих любимых кутюрье и призывают читателей последовать их примеру ». Если в таких обстоятельствах актриса, казалось, принимала независимое решение о том, какую одежду она выберет на сцене, были и другие, в которых ее роль была просто ролью манекена, живой манекенщицы в драматической постановке, которая стоила мало больше, чем удобный инструмент для продвижения коммерческих интересов кутюрье.Чарльз Эккерт описал, как звездная система функционировала как хорошо отлаженная машина в Голливуде 1930-х годов, где товарные привязки часто оказывали формирующее влияние на развитие сценария фильма, но что-то очень близкое к этому уже становилось обычным явлением в парижских кинотеатрах в США. 1910-е годы, когда кутюрье вместе представляли пьесы о модных домах, манекенах и платьях, считая это идеальной возможностью продемонстрировать свои новейшие стили перед публикой, состоящей в основном из богатых буржуазных женщин, которые, как говорили, покровительствовали театру просто потому, что он удовлетворили их желание увидеть новейшие стили, смоделированные в эффектном и, следовательно, убедительном контексте.По словам Мари Монсо, сообщавшей о французской моде в Philadelphia Inquirer в 1912 году, «театры, которые могут предложить что-то новое, пользуются большим покровительством, независимо от того, будет ли спектакль успешным или нет. жизненный интерес ". Роберт Форрест Уилсон заметил несколько лет спустя, что предоставление костюмов для того, что он назвал «спектаклями парижского общества», было дорогостоящим мероприятием, требующим от кутюрье предлагать театрам особый дизайн и скидки по ценам, но расходы можно было отнести на счет рекламы. "потому что имя кутюрье фигурирует в программе, и это считается хорошим бизнесом.«Иногда кутюрье расширял свою рекламную практику за пределами сцены и в аудитории, как самый выдающийся дизайнер одежды периода до Первой мировой войны ...

Театральный костюм | LoveToKnow

Традиции западного театра берут свое начало в греческие праздники, проводившиеся в VI веке в г. до н. э. и в г., в честь Диониса, бога вина и веселья. Пиршества (танцы, песни и хоровые реплики) превратились в устную драму в 535– гг. до н. э. г. н. Э., Когда драматург Феспис представил актера, который должен был отвечать ведущему хора. Результатом был диалог.

Другой драматург, Эсхил (525-456 до н.э. ), считается создателем того, что стало традиционным костюмом для греческой трагедии. Он состоял из длинной туники с рукавами и узором, стилизованной маски для мгновенного распознавания персонажей и пары туфель на высокой подошве, называемых кортунами. Вся эта одежда предназначалась исключительно для театральных целей. Невозможно сыграть героя в повседневной одежде.

Актеры греческих комедий также носили маски, чтобы указать, каких персонажей они изображали. Кроме того, они часто добавляли преувеличенные части тела, мягкие ягодицы или животы и большие фаллосы, чтобы усилить комический эффект. Короткие туники, похожие на те, которые носят обычные граждане, считались подходящими для комедии.

Хотя римляне добавили свои собственные изюминки, традиции костюмов, установленные греками, по существу оставались неизменными до падения Римской империи, когда западный театр фактически исчез на восемьсот лет.

Средние века и Возрождение

Когда театр возродился, это произошло, по иронии судьбы, в контексте церкви. Христианская церковь была заклятым врагом драмы (считая ее одновременно нескромной и сродни поклонению дьяволу). Но поскольку службы совершались на латыни, которую понимало все меньше и меньше прихожан, священникам приходилось изобретать способ инсценировать литургию.

Статьи по теме

Начиная с г. н. Э. До г. пятого века, мистерии, драматические события в Священных Писаниях и чудесные пьесы, изображающие жизнь святых, все чаще разыгрывались как внутри церкви, так и на церковной территории.По мере того, как они становились более сложными, они переместились на рыночную площадь.

Костюмы, которые носили в ранних религиозных драмах, были церковной одеждой. По мере того, как сценарии становились более светскими, часто с участием горожан в дополнение к духовенству, мирские исполнители брали на себя ответственность за любые предметы костюма, не принадлежащие церкви. Современное религиозное искусство послужило источником вдохновения для таких персонажей, как Даниил, Ирод, Дева Мария и различные дьяволы.

Именно в эпоху Возрождения элементы декораций и костюмов стали иметь даже большее значение, чем текст.По всей Европе дворяне устраивали щедрые придворные маски и театрализованные представления, чтобы развлечь своих гостей. В костюмах изображены боги, животные и мифологические существа, а также такие эмоции, как надежда и радость. Дизайнеры этих торжеств - Леонардо да Винчи и Иниго Джонс.

The Commedia Dell'Arte

Комедия дель арте, разновидность популярной уличной комедии, возникла в Италии в шестнадцатом веке. Группы странствующих актеров представляли в основном импровизированные пьесы по всей Италии и Европе.

Подобно греческим комедиям (с которыми, как считается, связана комедия), актеры комедии изображали обычных персонажей, которых можно было узнать по их маскам и традиционным костюмам. Панталун, архетипичный неуверенный старик, часто носил широкие брюки, которые теперь носят его имя. У хитрой служанки Бригеллы было пальто в горизонтальные зеленые полосы - предшественник британской ливреи девятнадцатого века. Среди других комических персонажей - Арлекино, или Арлекин, Иль Доттор, педантичный академик, всегда одетый в черное, и Иль Капитано, трусливый испанец.Серьезные персонажи комедии, две пары влюбленных и служанка, были одеты в современную одежду.

Работы Уильяма Шекспира, Жана-Батиста Мольера и Жана-Антуана Ватто свидетельствуют о влиянии этого важного популярного вида искусства.

От шестнадцатого до восемнадцатого века

Костюмы для пьес Шекспира представляли собой смесь различных периодов, которые публика приняла как стандартную традицию. Большинство партий было исполнено в современной одежде, принадлежащей актеру (все мужчины) или предоставленной патроном театра.Иногда шлем или нагрудник могли указывать на солдата. Феи и нимфы могут носить классические драпировки.

Тот же принцип применим к костюму в семнадцатом и восемнадцатом веках. Большинство актеров и особенно актрис одеты максимально модно. Тюрбан указывал на восточный характер. Шлем с плюмажем символизировал солдата. Артисты предоставили свой гардероб, за исключением специальных предметов, предоставленных театром.

Девятнадцатый и начало двадцатого века

Уильям Террисс в роли короля Генриха VIII.1895

Период между 1770-ми и 1870-ми годами был отмечен стремлением к исторической точности в дизайне костюмов. Поскольку путешествия стали относительно проще, отчеты, как письменные, так и визуальные, расширили знания людей о других культурах. Международные выставки, такие как выставка «Хрустальный дворец» в Лондоне в 1851 году, познакомили публику с материальной культурой экзотических мест. Они хотели, чтобы то, что они видели и читали, отразилось на сцене.

В немецком княжестве Саксен-Майнинген герцог Георг II основал собственную театральную труппу под названием «Майнингеры».Герцог использовал все доступные ресурсы для создания аутентичных костюмов для своих актеров.

«Майнингеры» много гастролировали по континенту, и стиль их постановок оказал большое влияние на такие бастионы реализма XIX века, как Театр Либр в Париже и Московский Художественный театр в России. В Соединенных Штатах постановки импресарио Дэвида Беласко отразили его восхищение этим новым реалистичным стилем.

Последовала неизбежная реакция. В России, приведу лишь один пример, художники-конструктивисты создавали очень концептуальные костюмы, единственное отношение которых к одежде заключалось в том, что их носили люди.

В конце концов оба стиля были признаны действительными, что привело к смешению исторически точных или концептуальных постановок, которое продолжается и в двадцать первом веке.

Текущая практика

Театральные костюмы созданы по сценарию. Если в тексте центральное место занимают реализм или историзм, костюмы будут точно отражать одежду, соответствующую эпохе или окружающей среде. Примеры включают The Master Builder Хенрика Ибсена, который требует одежды начала 1890-х годов, или The Changing Room Дэвида Стори, который призывает к униформе и уличной одежде, подходящей для группы игроков в регби на севере Англии.

Другие скрипты требуют более вычурного подхода. Шекспировский The Tempest должен быть установлен на острове, но этот остров может быть где угодно в мире. Просперо и Миранда могут жить в любое время, согласованное директором и командой дизайнеров.

Влияние костюма на модное платье

В то время как костюм из кинофильма часто влияет на модную одежду, театральный костюм почти никогда не влияет. Фильм смотрят миллионы людей по всей стране в первую неделю после его выхода.Напротив, средний бродвейский театр может вместить только восемь тысяч человек за один и тот же недельный период.

Более того, обычно между окончанием съемок и выпуском фильма проходит промежуток в год и более. В этот промежуток времени модные журналы и другие периодические издания могут выпускать развороты, демонстрируя костюмы, создавая потребительский спрос. Исторически сложилось так, что киностудии, производители, универмаги и компании по пошиву одежды вступали в партнерские отношения, чтобы продвигать как пленку, так и готовую одежду (или готовую к пошиву), вдохновленную фильмом.

Классический пример - платье «Летти Линтон», которое Джоан Кроуфорд носила в одноименном фильме 1932 года. По общему мнению, с момента выхода фильма было продано более 500 000 копий дизайна Адриана по любой цене. В 1967 году костюмы Теодоры фон Ранкл для Bonnie и Clyde вызвали тенденцию к стилям возрождения 1930-х годов, которые были так популярны в конце 1960-х годов. Костюмы Рут Морли для Дайан Китон произвели двойников Энни Холл и двойников в Соединенных Штатах и ​​Европе в конце 1970-х годов.

Еще одна причина, по которой между театральной одеждой и уличной одеждой может быть мало связи, - это масштаб. Костюм разработан таким образом, чтобы его можно было видеть с расстояния тридцати или сорока футов. Детали преувеличены, чтобы их было видно. Фильм, напротив, в основном основан на крупных планах. Костюмы для кино должны быть «настоящими» в отличие от успешных театральных костюмов.

Есть несколько исключений, но они редки. Красный костюм, разработанный Патрисией Зиппродт для бродвейской постановки 1969 года Нила Саймона Plaza Suite , впоследствии был изготовлен для Бергдорфа Гудмана.В 2002 году Bloom-ingdale's представила коллекцию одежды больших размеров, основанную на дизайне Уильяма Айви Лонга для мюзикла «Лак для волос ».

Аудитория театрального мероприятия настолько мала по сравнению с количеством людей, которые смотрят фильмы, что экономически нецелесообразно использовать театр в качестве источника дизайна. Современная одежда для сцены может отражать модную одежду, но не влияет на нее.

Особые требования

Танцевальная обувь требует гибкости

Театральный костюм, прежде всего, предназначен для движения.Проймы вырезаются выше, чем в одежде массового производства, чтобы актер мог поднять руки, а вся одежда не следовала за ним. Промежность обрезана выше, чтобы можно было делать удары, не расслаивая швы.

Костюмы должны быть достаточно прочными, чтобы выдерживать восемь носков в неделю в течение месяцев или даже лет при нечастой чистке или стирке. Если сценарий требует «быстрой смены», что означает, что исполнитель полностью меняет одежду менее чем за минуту, костюм будет сконструирован таким образом, чтобы облегчить эту смену.Например, чтобы быстро сменить рубашку, поверх петель пришиваются пуговицы. Рубашка закрывается на кнопки или липкую ленту, так что ее можно буквально оторвать от исполнителя.

Обувь для танцоров должна иметь достаточно тонкую подошву, чтобы танцор мог сгибаться и указывать ногу. При изготовлении на заказ предпочтительным материалом является кожа лося.

Тенденции и изменения

Для создания театральных костюмов используются натуральные волокна (хлопок, лен, шелк и шерсть). Синтетика не обрабатывается и не драпируется, как натуральные волокна.При этом, однако, разработка новых материалов оказала огромное влияние на отрасль.

До конца 1950-х, например, колготки танцовщиц изготавливались из эластичного хлопка, предназначенного для провисания и сумок, или же были вязаными и склонными к беготне. Изобретение лайкры, спандекса и других материалов, растягивающихся в обе стороны, устранило эти проблемы. Плетеный нейлоновый конский волос можно использовать для изготовления ершей, имитирующих накрахмаленные оригиналы из льняной ткани, но сохраняющих свою форму при стирке.

Ни одна фирма не производит ткани исключительно для костюмов.Рынок слишком мал. Однако покупатели чрезвычайно изобретательны, открывая для театральных целей изделия, предназначенные для других целей. Veri-form, например, торговая марка термопластичного полотна, представляет собой сетку с открытым переплетением, используемую хирургами-ортопедами для изготовления легких слепков. Из него получаются отличные доспехи и маски, нетоксичен и с ним легко работать.

Пластиковая сетка, используемая для вентиляции бейсболок, делает кринолины прочными и недорогими. Кондиционер и другие типы пенопласта можно вырезать и вылепить, чтобы сформировать основу легкого талисмана или других костюмов, которые выше и шире, чем актер внутри них.Птичий корм в костюме для тела отлично подходит для имитации движения обвисшей груди.

Самым значительным достижением в этой области за последние двадцать лет, несомненно, стало повышение осведомленности о вопросах здоровья и безопасности. Еще в 1970-х и дизайнеры, и производители костюмов обычно обрабатывали ткани высокотоксичными красками, растворителями и клеями, не понимая связанных с этим рисков. В двадцать первом веке доступны не только менее токсичные продукты, но и паспорта безопасности материалов, респираторы, окрасочные камеры и другие защитные устройства являются нормой.

В то время как материалы продолжают развиваться, а стили дизайна костюмов входят и выходят из моды, принцип остается неизменным. Как писал Роберт Эдмонд Джонс в 1941 году: «Сценический костюм - это творение театра. Его качество чисто театральное, и вне театра он сразу теряет свое волшебство. Он умирает, как умирает растение, когда вырывается с корнем» (стр. 91). .

См. Также Актеры и актрисы, Влияние на моду; Искусство и мода; Балетный костюм; Театральный грим.

Библиография

Бибер, Маргарет. История греческого и римского театра. Princeton, N.J .: Princeton University Press, 1961.

Чейни, Шелдон. Театр: три тысячи лет драмы, актерского мастерства и сценического искусства. Нью-Йорк, Лондон и Торонто: Longmans, Green and Co., 1952 г.

Гаскойн, Бамбер. Мировой театр: иллюстрированная история. Бостон и Торонто: Литтл, Браун и Ко, 1968.

Джонс, Роберт Эдмонд. Драматическое воображение. Нью-Йорк: Театральное искусство, 1941.

Джеймс Лейвер. Костюм в театре. Нью-Йорк: Хилл и Ван, 1965.

Молинари, Чезаре. Театр сквозь века. Нью-Йорк: McGraw Hill Book Company, 1975.

Дресс-код: что надеть на ночь в театре

Фото: Free People

Решение о том, как одеться, всегда зависит от личных предпочтений. Это полностью зависит от вашего настроения, от того, чем вы занимаетесь изо дня в день, и от того, в каких ситуациях вы окажетесь.Но есть несколько случаев, когда решение, что одеться, немного сложнее, опираясь на дресс-код, а не вытаскивая что-то из своего гардероба в спешке, чтобы выйти за дверь утром.

Как одеваться для театра

Один из таких случаев - когда вы идете в театр. В отличие от ночи в кино, ночь в театре означает, что вы будете сидеть перед группой талантливых актеров , лично , что, как правило, требует проявления определенного уровня уважения к их мастерству и месту проведения. .Итак, есть ли у вас билеты на мадам Баттерфляй на Бродвее или вы поддерживаете местные театральные труппы, вот несколько советов о том, что надеть на театральное представление.

Перво-наперво. Если вы не смотрите представление в очень современном зале, скорее всего, в зале станет немного теплее. По этой причине рекомендуется выбирать легкую одежду, которую можно "снимать" и снимать по своему усмотрению. Наденьте легкий кардиган или свитер и не берите с собой объемное пальто: его не будет много места для хранения, и вы перегреетесь, если будете держать его на коленях во время выступления.

Фото: Pixabay

В центре внимания обувь и аксессуары

Кроме того, в театр всегда стоит надевать туфли с закрытыми носками, потому что, как правило, кто-то занимает свое место после начала представления, карабкается по проходу и наступает всем на ноги! Защищайте пальцы ног и держите ступни под стулом, если соседу нужно протиснуться мимо вас.

Тщательно продумайте аксессуары, когда собираетесь наряжаться в театр. Например, перчатки и шарфы могут быть идеальными для более прохладных погодных условий, но вам придется держать их сложенными на коленях, если вы возьмете их в театр.Даже ваш выбор сумки имеет значение, так как сумка меньшего размера удобно разместится по краю вашего стула, не занимая много места. Вы же не хотите, чтобы кто-то наступал на вашу красивую сумку, точно так же, как не хотите, чтобы они наступали вам на ноги.

Фото: Pixabay

Это больше, чем ваша одежда

А как насчет старой традиции наряжаться? Что ж, вы можете, если хотите, но, как правило, это уже не то, что нужно «готово». Если сегодня премьера бродвейского шоу, неплохо одеться как можно лучше, а после этого выбрать вечернюю одежду, которая подойдет для модного ресторана.Но если вы посещаете вечернее шоу, которое продолжается какое-то время, или смотрите что-то вроде лака для волос или шоу ужасов Рокки Хоррора, вы можете нарисовать несколько необычных образов в коктейльном платье.

Однако, когда дело доходит до того, чтобы показать «себя как можно лучше» в театре, верно одно: дело не в том, что вы носите, а в том, как вы себя ведете. Носить джинсы и мятую футболку - это нормально, если вы собираетесь иметь хорошие манеры, чтобы включить беззвучный режим мобильного телефона и уделить исполнителям все свое внимание… нет смысла переодеваться, если вы не собираетесь показать уровень уважения, которого заслуживают актеры.

Итак, как вы думаете, что люди должны надеть в театр? И как вы думаете, нам следует «вернуть» традицию наряжаться для этого?

Связанное содержание

Когда Бродвей был взлетно-посадочной полосой

Марлис Швейцер

320 страниц | 6 х 9 | 47 илл.
Бумага 2011 г. | ISBN 9780812221633 | 26,50 долларов | За пределами Северной и Южной Америки £ 19,99
редакций электронных книг можно приобрести у избранных онлайн-продавцов.
Посмотреть оглавление и выдержку

"Богатый и хорошо читаемый исторический анализ отношений между бродвейским театром, модой, гендером и потреблением.Опираясь на широкий спектр первоисточников и переплетая исследования в области театра, универмагов, моды и потребительской культуры в целом, Швейцер демонстрирует мотивацию игроков, которые надеялись формировать стремления женщин и их потребительскую практику, а также обширное агентство, практикуемое сами потребители женского пола. Это история, которая ждала, чтобы ее рассказали, и Швейцер рассказывает ее скрупулезно и проницательно ». - American Historical Review

« Когда Бродвей был взлетно-посадочной полосой , дает свежий взгляд на отношения между потребительским капитализмом и театром. , универмаги и индустрии моды, и проливает новый свет на кардинально меняющиеся конфигурации пола, красоты и личности в двадцатом веке.Большое достижение! »- Нэн Энстад, автор книги Ladies of Labor, Girls of Adventure

, отмеченная журналом Choice как выдающееся академическое звание

When Broadway was the Runway исследует центральную и в значительной степени непризнанную роль рекламы Бродвейский театр в зарождении современной американской моды и культуры потребления. Задолго до того, как в Голливуде появились спектакли по красной ковровой дорожке, бродвейский театр познакомил американских женщин с новейшими стилями. В начале двадцатого века театральные импресарио захватили воображение своих в основном женщин-покровительниц, преображая сцена превратилась в великолепное место потребительского зрелища.

Театральный историк Марлис Швейцер исследует, как эти импресарио представляли платья, которые актрисы носили на сцене, а также украшения и прически, которые они выбрали, как товары, которые можно было купить в близлежащих универмагах и салонах. Шляпа «Веселая вдова», созданная для одноименной оперетты, вызвала мировое увлечение, а танцовщица Ирен Кастл стала модной знаменитостью, когда почти на десять лет предвкушала образ хлопушки 1920-х годов. Не только последние стили на сцене, но и реклама появлялась в театрах, в программах и на занавесках, в то время как журналы, такие как Vogue , боролись за право публиковать эскизы театральных костюмов и Harper's Bazaar соблазняли читателей фото-разворотами актрис в моде.Такое сочетание зрительского интереса и потребления стало решающим шагом в формировании массового рынка потребительских товаров и подъеме культа знаменитостей.

Благодаря историческому анализу и десяткам ранних фотографий и иллюстраций Швейцер нацелен на культурное и экономическое сближение театральной и модной индустрии в Соединенных Штатах.

Марлис Швейцер преподает на факультете театра Йоркского университета.

Перейти в корзину | Просмотрите заголовки Penn Press по американской истории и американистике | Присоединяйтесь к нашему списку рассылки

Описания курсов | Технологический институт моды

SXG 001 Сертификат специалиста по дизайну костюмов и гардеробу
Этот курс является сертификатом специалиста по дизайну костюмов и гардеробу, пожалуйста, нажмите для дополнительной информации.

Фасилитатор сертификата: Джошуа Бернс, фасилитатор и инструктор, FIT's Continuing & Профессиональные исследования; Бродвей, кино и телевидение. Гардероб и изготовление костюмов.

SXG 100 Гардероб для театра, кино и телевидения
Изучите тонкости выбора гардероба для любого типа помещения и производства, как вживую, так и в записи, в индустрии развлечений.Есть больше чем один человек, который составляет гардеробную, и их работа предполагает разные навыки наборы. Получите информацию о том, как начать работу в качестве специалиста по гардеробу или в дизайн костюма и ваш потенциал заработка. Слушайте от профессионалов в костюмах со всего Нью-Йорка и получите возможность увидеть, что на самом деле происходит в этой области.

Инструктор: Джошуа Бернс, художник по костюмам и техник, Бродвей, турне и телевидение.

SXG 115 Визуализация костюмов
Передача идеи - основная цель визуализации костюмов и моды. Проводить исследования множество методов и средств массовой информации, чтобы проиллюстрировать единый образ с головы до ног. Используя оба цифровые и традиционные медиа, экспериментируйте с рисованием, раскрашиванием, коллажем и т. д.

Первоклассный: идея для дизайна костюма с ног до головы или модный образ на рендер собственного дизайна.

Перед первой встречей на вашем компьютере должен быть установлен Adobe Photoshop.

SXG 140 Дизайн костюмов: теория и практика
(ранее назывался SXG 120 Costume Design Theory and Practice)
Эта программа охватывает методы, используемые дизайнерами костюмов для создания и размещения костюмов. для всех аспектов индустрии развлечений. Оба творческих нововведения и практические обязанности, а также важность сотрудничества и группы поддержки.Классные упражнения включают в себя составление короткого сценария для определения потребности костюма, как создать сюжет костюма и как построить туалеты персонажей.

Инструктор: Джошуа Бернс, художник по костюмам и техник, Бродвей, турне и телевидение.

SXG 150 Wardrobing: Tricks of the Trade Techniques
(Ранее назывался SXM 105 Advanced Styling: Tricks of the Trade)
Продолжать развивать арсенал профессиональных приемов, используемых стилистами, костюмами, и персонал гардероба.Важное значение придается исследованию и контексту для типов и уровни бедствия. Поверхностные и физические страдания исследуются с использованием различных специальных и подручных инструментов и принадлежностей. Студенты будут развивать свои собственные перманентные и смываемые смеси крови, взвешивающие достоинства и недостатки каждого ингредиента. Практикуйтесь, узнавая, как состарить одежду, обувь, и аксессуары.

Инструктор: Керри Гиббонс, художник по костюмам и сценографам.

SXG 175 Великие художники по костюмам
(Ранее назывался SXG 610 Великие художники по костюмам)
Неоспоримый факт, что роль художника по костюмам является ключом к созданию персонажа. распознавание и определение в том виде, в каком они изображены на пленке или на сцене, в течение нескольких минут после просмотр. Что бы Энни Холл, Холли Голайтли, Элиза Дулитл, Гордан Гекко или Фея Сахарной Сливы быть без одежды? Так же, как есть великие модельеры, есть великие художники по костюмам, чьи работы известны своим вкладом в кино, театр и танцы.Понять, кто эти гении, и чудесные персонажи, которых они воплотили в жизнь. Изучите влияние художников по костюмам такие как Эдит Хед, Уильям Айви Лонг, Сесил Битон, Коллин Этвуд, Кэтрин Зубер, и Сэнди Пауэлл, и это лишь некоторые из них, на этом познавательном и развлекательном семинаре.

Инструктор: Изабель Рубио, художник по костюмам и куратор костюмов для кино, телевидения, оперы, театр, балет, печать.

SXG 200 Дизайн костюмов: влияние моды на кино и СМИ
(Ранее SXG 130 Fashion in Film and Media)
Посмотрите отрывки из фильмов, которые повлияли на стиль одежды в последние десятилетия. Этот энергичный и увлекательная программа исследует персонажей кинозвезд, оказавших влияние на мейнстрим мода через культовые образы. Посмотрите, как создавались запоминающиеся персонажи с экрана вечный язык дизайна, который служит справочником для дизайнеров всех типов: костюмеров, стилистов и мастеров по гардеробу.Профессионалы, расширьте свои творческие перспективы и профессиональное ноу-хау. Любители моды и кино, загляните за кулисы как некоторые из самых влиятельных персонажей были созданы с помощью гардероба дизайн, выбор и изображение. Классные упражнения укрепляют связь между персонажами разработка и одежда.

Инструктор: Изабель Рубио, художник по костюмам и куратор костюмов для кино, телевидения, оперы, театр, балет, печать.

SXG 240 Дизайн костюмов: рисование в живую
(Ранее называлось SXG 140. Основы рисования в жизни для дизайна костюмов)
Если создание костюмов - ваша страсть, вы должны развить способность рисовать реальных людей - худых, низкий, высокий. Актеры и персонажи бывают самых разных форм и размеров. Научитесь выражать ваши концепции дизайна с помощью реальных методов рисования с использованием живых моделей. Работа с различными художественными материалами - углем, маркерами, карандашом, акварелью, акриловыми красками, пером и чернилами - визуализации тканей, силуэтов и стилей, которые помогают концептуализировать сущность персонажа.Настоятельно рекомендуется для студентов и начинающих дизайнеров костюмов и стилистов, а также для работающих. профессионалы, которым необходимо обновление портфолио.

Принесите к первому занятию: блокнот для рисования размером 9 x 12 дюймов или больше, карандаш, ластик, и тонкое перо Faber-Castell с черными чернилами. Обсудим необходимые дополнительные материалы: набор для акварели или акварельные карандаши, две кисти из соболя, подушечка для акварели 9 на 12 дюймов или больше и калька 9 дюймов на 12 дюймов или больше.

Инструктор: Джоан Чивертон, бывший арт-директор по рекламе; иллюстратор редакторский художник для Нью-Йорк Таймс и Уолл Стрит Джорнал.

SXG 300 Карьерный техник по гардеробу
Этот курс концентрируется на расширенных функциях гардероба, а также на практических занятиях. аспекты начала карьеры. Узнайте, как разобрать сценарий и интерпретировать персонажей. в фильме, видео или телешоу с использованием одежды и аксессуаров.Инструкция о том, как настроить грузовик и что делать во время производства, включено. Направление для также рассматриваются поиск работы и шаги, необходимые для начала карьеры, связанной с гардеробом, будь то техник или стилист. Сертифицированные студенты могут выбрать SXG 300 или SXG 310, чтобы пройти требования программы, и при желании можно взять и то, и другое.

Инструктор: Джошуа Бернс, художник по костюмам и техник, Бродвей, турне и телевидение.

SXG 310 Начало карьеры дизайнера костюмов
Этот курс концентрируется на расширенных функциях дизайна костюмов и способах получения работы и построить свое портфолио и карьеру дизайнера костюмов. Профессионалы отрасли дают вам последние советы инсайдеров о том, как начать работу в этой области.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *