Театр моды что такое: Театр моды | Колледж Петербургской Моды

Словом, это история о том, как волшебные чаровницы влюбились в одежду, и называется она «Le Mythe Dior» (фр. «Миф Диор»).

Неведомо откуда взявшимся носильщикам даже удалось выманить из гигантской раковины дикарку с точеной фигурой, позволившую снять с себя мерки для греческого платья-колонны с мягкими сборками. Под аккомпанемент меланхоличной мелодии Паоло Буонвино посыльные аккуратно обмерили даму сантиметровой лентой.  

«Во время Второй мировой войны художники и кутюрье объединили усилия, чтобы создать театр моды, – миниатюрных кукол, которым в их костюмах предстояло совершить мировое турне. Я захотела переработать этот яркий артистический прием, адаптировав его под день сегодняшний», – объяснила Кьюри.

Влияние на дизайнера также оказали «невероятно вдохновляющие представительницы» сюрреализма: фотографы и художницы Ли Миллер, Дора Маар, Доротея Таннинг, Леонора Каррингтон и Жаклин Ламба.

Римлянка, Кьюри провела карантин в Вечном городе. В Риме она и создала эту коллекцию, там же был снят фильм.

Наибольшую известность Маттео Гарроне принесла его киноработа «Догмэн» – мрачная сказка о преступном подполье, которая была отобрана в основной конкурс 71-го Каннского международного кинофестиваля.

В «Догмэне» Гарроне показал неприглядную подноготную постиндустриальной Италии. Работая над «Le Mythe Dior», режиссер и сценарист продемонстрировал уникальное качество итальянских кинематографистов – запечатлел на экране галлюцинаторные фантазии, этакий сон в летнюю ночь на Альбанских горах. 

В чем-то символично, что премьера необычного фильма состоялась в день, когда стало известно о кончине одного из великих уроженцев Рима, – главного композитора итальянского кинематографа Эннио Морриконе.

Только Нарцисс, неспособный оторваться от созерцания своего отражения в водной глади, не заметил появления в сказочном лесу красивой одежды – чисто феминистское наблюдение по поводу мужской самовлюбленности.

В конце фильма даже русалка подобрала себе светло-серое одеяние, чтобы плавать в нем по дну заболоченной реки, пока нимфы заплетают рыжеватые косы своей предводительнице, нарядившейся в платье из золотистого атласа.  
 

Годфри Дини
 

Copyright © 2021 FashionNetwork.com All rights reserved.

Может ли театр поучиться у моды? | Театр

Абсолютно не спектакль … Показ мод Chanel с одеждой, созданной Карлом Лагерфельдом. Фотография: Дэвид Левен

Недавно я посмотрел фильм «Конфиденциальность Лагерфельда» для бывшей программы онлайн-обзора «Столкновение культур». Если честно, у меня никогда не было много времени для индустрии моды. Это всегда казалось мне отвратительным делом: мелким и тривиальным, иметь дело с нездорово опасными, худыми от расстройства пищевого поведения телами и мерзким менталитетом «деньги — это все».Поэтому я был удивлен, насколько я был очарован этим остроумным, умным фильмом. Меня больше удивило сходство с театром, которое постоянно напрашивалось. В конце концов, показ мод — это, по сути, театр, в котором удалены все части, которые интересуют людей.

Хотите знать, какой была бы драма без сценария, без диалогов, без персонажей и без сюжета? Посетите следующие подиумы в Милане или Нью-Йорке. Есть освещение, декорации, случайная музыка и, если перефразировать Питера Брука, «человек идет по пустому пространству, пока кто-то другой наблюдает за ним».Но это все. И это абсолютно не спектакль.

Следующее, что меня поразило, это то, насколько лучше оплачиваются те, кто работает в индустрии моды, по сравнению с их коллегами в театре. В конце концов, кто такой Карл Лагерфельд, как не художник по костюмам, которому переплачивают? И что такое модель, как не прославленный, сверхплачиваемый копьеносец — даже без необходимости носить указанное копье?

Так почему же театр так сильно зависит от субсидий, в то время как индустрия моды зарабатывает больше денег, чем, ну, ну, одежда? Во-первых, конечно, индустрия моды не зависит от скрытых живых мероприятий в плане доходов.Прямые трансляции — это второстепенный вопрос по сравнению с маркетингом одежды. Во-вторых, эту одежду можно продавать в торговых точках по всему миру, а театр может находиться только в определенном месте и в определенное время.

Но это еще не все. Ведь высокая мода Шанель доступна лишь немногим. Высокая мода с ее ограниченным тиражом, листами ожидания сумок и непомерными ценами вряд ли открыта для большего количества людей, чем спектакль в Театре 503. Два основных фактора разделяют эти два сектора: гламур и стоимость.Они кажутся неразрывно связанными, а в театре их меньше.

Однако это не всегда так. Взгляните на широко разрекламированную, малоизвестную постановку «Отелло» на Donmar. Конечно, номинал билетов был довольно стандартным — даже дешевым по меркам Вест-Энда. Но посмотрите на цены на билеты, которые продаются на eBay. Это скорее наводит на мысль, что Donmar мог совершить абсолютное убийство, взимая более 100 фунтов стерлингов за место.

И что же побудило к этому забегу по билетам, еще до того, как кто-то увидел это шоу? Гламурный, звездный состав и атмосфера дорогой эксклюзивности.Итак, модель несубсидируемого потенциально прибыльного театра действительно существует. Но он черпает всю свою мощь и авторитет из внешних источников — в первую очередь из фильмов и глянцевых журналов — и основан на совершенно ином наборе ценностей.

Питер Брэдшоу отмечает, что многие театры уже социально не равны, описывая «мерзкий, унылый апартеид лондонского Вест-Энда:« хорошие »места за большие деньги, мусорные места за меньшую сумму, во имя богов. » Но по сравнению со структурами ценообразования в модной индустрии, эти затраты явно всеобъемлющие.Да, 60 фунтов стерлингов за билет — это довольно дорого, но по сравнению с сумочкой в ​​1000 фунтов стерлингов он начинает выглядеть позитивно благотворительным. Даже самые дорогие билеты в Ковент-Гарден (165 фунтов стерлингов) не покрывают пару туфель Chanel. Или ужин в фешенебельном ресторане. Или любой вид правильной ночной выпивки в любом из баров Вест-Энда, где астрономические цены используются для обеспечения эксклюзивности.

Нет, проблема театра, по иронии судьбы, не в том, что он слишком дорогой или элитарный, а в том, что он недостаточно дорогой или элитарный.В современной Британии, по-видимому, единственный способ получить настоящее уважение — это слишком дорого за что-то брать и делать это неприемлемо эксклюзивным. Возможно, если бы театр пошел по этому пути, журнал Take a Break был бы полон историй из «реальной жизни» о том, «как я накопил долг в размере 30 000 фунтов стерлингов по пяти кредитным картам, просмотрев пьесы», а не о попытках вести образ жизни подруги футболиста, пока получать зарплату уборщицы. Это то, чего мы действительно хотим?

#SuzyLFW: Мода как театр — и кино

Показы мод часто рассматриваются как искусство, особенно их создатели, которые надеются представить свои работы как нечто большее, чем краткое впечатление от одного сезона.

За один день на Лондонской неделе моды Гарет Пью взял на себя управление крупнейшим и самым захватывающим кинотеатром города, чтобы показать кровавый, кровавый и балетный фильм, чтобы выразить дух его коллекции (которая появлялась исключительно в Интернете в виде изящных предметов, в основном в кроваво красный).

Тот факт, что активисты по защите прав животных выкрикивали проклятия входящим гостям, только добавлял сюрреалистических ощущений от наблюдения за телом Пью, явно теряющим внутренности, в фильме, сфабрикованном фотографом Ником Найтом, хореографом Уэйном МакГрегором и другими художниками.

Кадр из фильма Ника Найта, который сопровождал коллекцию Гарета Пью Весна / Лето 2018

Поскольку дизайнер женился на своей давней партнерше после показа — на церемонии, проводимой Найтом, — это событие могло быть для него более значимым, чем зрители.

И все же Пью поразила реальная сказка, которая произошла затем в историческом лондонском «Палладиум», театральной достопримечательности, где когда-то выступала Джуди Гарланд.

Майкл Халперн

Американский дизайнер Майкл Халперн, дебютировавший в Лондоне в прошлом сезоне с множеством блестящих нарядов, устроил полноценное шоу с красной ковровой дорожкой и цифровым фоном цветов и форм.

Шоу мгновенно стало хитом, одновременно изысканным и невинным, не только с платьями, привлекающими внимание, но и с элегантными брючными костюмами или платьями со складками. В итоге получилось так, что миллениалы представили дискотеку 1970-х годов.

История моды доказала, что в тяжелые времена одежда поражает воображение. Первоначальный голливудский гламур пришелся на светлые волосы на высоких каблуках из времен Великой депрессии. Эффектный блеск Halpern включал в себя красивую цветочную парчу, тигровые принты и перья в форме платья без бретелек.Дизайнеру не нужны были обнаженные пазухи за шелестом пятнистого шифона, но все шло в духе танца до упора.

На ужине, организованном в Palladium интернет-магазином Matches, Майкл Халперн, который привез своего отца из Нью-Йорка, сказал, что не знает, что он будет делать дальше. Просто продолжай сверкать.

Гарет Пью

Что сказать о коллекции Гарета Пью или его фильме? Одежда, представленная в Интернете, выглядит смелой, стройной и мощной, с отблеском космической эры.Но поскольку суть его работы связана с одеждой по отношению к движущемуся телу, кадры из фильма рассказывают только половину истории.

Зная о раннем обучении дизайнера танцам, волнующий финал 25-минутного фильма казался наиболее актуальным для моды. Кровавое начало было фантастическим отрывком из кинематографа, который Пью, возможно, предпочел бы оставить при себе. Но иногда сказки просто случаются.

The Theater of Fashion: Staging Haute Couture in Early 20 Century France

Theater Journal 53.1 (2001) 1-32 «Мода на сцене», экономист галантерейных товаров (23 мая 1903 г.), 23. В современный период связи между модой и театром многочисленны, охватывая не только дизайн костюмов для сцены, или драматический потенциал модных показов, или даже перформативный аспект ношения одежды, но и использование «звезды». система с коммерческой целью запуска новых стилей одежды. Знакомые связи с товарами, которые в 1930-х годах привлекали голливудских кинозвезд к продвижению потребительских товаров среди женской аудитории фильмов, уже действовали, хотя и в несколько менее сложной форме, во французском театре моды начала двадцатого века, который является центром внимания. настоящего эссе.Действительно, существует параллель между рекламной целью, лежащей в основе стратегического позиционирования голливудской киноиндустрии домашней мебели, кухонных принадлежностей, одежды и косметики на экране в непосредственной визуальной или повествовательной близости от звездной актрисы, и повсеместным присутствием французов начала двадцатого века. театральные и модные журналы известных театральных актрис представлены на портретных фотографиях в полный рост, каждый из которых сопровождается заметной подписью с указанием не только актрисы и названия драматической постановки, в которой она снялась, но и дизайнера платья, которое она носила, и в некоторых случаях также и служебный адрес этого модельера (рис. 1).Без каких-либо явных доказательств того, что эти последние изображения следует понимать либо как рекламу, с одной стороны, либо как визуальную поддержку редакционной копии, с другой, они функционировали неоднозначно и, возможно, по этой причине особенно эффективно, создавая впечатление, что звезды были одобряют одежду своих любимых кутюрье и призывают читателей последовать их примеру ». Если в таких обстоятельствах актриса, казалось, принимала независимое решение о том, какую одежду она выберет на сцене, были и другие, в которых ее роль была просто ролью манекена, живой манекенщицы в драматической постановке, которая стоила мало больше, чем удобный инструмент для продвижения коммерческих интересов кутюрье.Чарльз Эккерт описал, как звездная система функционировала как хорошо отлаженная машина в Голливуде 1930-х годов, где товарные привязки часто оказывали формирующее влияние на развитие сценария фильма, но что-то очень близкое к этому уже становилось обычным явлением в парижских кинотеатрах в США. 1910-е годы, когда кутюрье вместе представляли пьесы о модных домах, манекенах и платьях, считая это идеальной возможностью продемонстрировать свои новейшие стили перед публикой, состоящей в основном из богатых буржуазных женщин, которые, как говорили, покровительствовали театру просто потому, что он удовлетворили их желание увидеть новейшие стили, смоделированные в эффектном и, следовательно, убедительном контексте.По словам Мари Монсо, сообщавшей о французской моде в Philadelphia Inquirer в 1912 году, «театры, которые могут предложить что-то новое, пользуются большим покровительством, независимо от того, будет ли спектакль успешным или нет. жизненный интерес «. Роберт Форрест Уилсон заметил несколько лет спустя, что предоставление костюмов для того, что он назвал «спектаклями парижского общества», было дорогостоящим мероприятием, требующим от кутюрье предлагать театрам особый дизайн и скидки по ценам, но расходы можно было отнести на счет рекламы. «потому что имя кутюрье фигурирует в программе, и это считается хорошим бизнесом.«Иногда кутюрье расширял свою рекламную практику за пределами сцены и в аудитории, как самый выдающийся дизайнер одежды периода до Первой мировой войны …

Театральный костюм | LoveToKnow

Традиции западного театра берут свое начало в греческие праздники, проводившиеся в VI веке в г. до н. э. и в г., в честь Диониса, бога вина и веселья. Пиршества (танцы, песни и хоровые реплики) превратились в устную драму в 535– гг. до н. э. г. н. Э., Когда драматург Феспис представил актера, который должен был отвечать ведущему хора. Результатом был диалог.

Другой драматург, Эсхил (525-456 до н.э. ), считается создателем того, что стало традиционным костюмом для греческой трагедии. Он состоял из длинной туники с рукавами и узором, стилизованной маски для мгновенного распознавания персонажей и пары туфель на высокой подошве, называемых кортунами. Вся эта одежда предназначалась исключительно для театральных целей. Невозможно сыграть героя в повседневной одежде.

Актеры греческих комедий также носили маски, чтобы указать, каких персонажей они изображали. Кроме того, они часто добавляли преувеличенные части тела, мягкие ягодицы или животы и большие фаллосы, чтобы усилить комический эффект. Короткие туники, похожие на те, которые носят обычные граждане, считались подходящими для комедии.

Хотя римляне добавили свои собственные изюминки, традиции костюмов, установленные греками, по существу оставались неизменными до падения Римской империи, когда западный театр фактически исчез на восемьсот лет.

Средние века и Возрождение

Когда театр возродился, это произошло, по иронии судьбы, в контексте церкви. Христианская церковь была заклятым врагом драмы (считая ее одновременно нескромной и сродни поклонению дьяволу). Но поскольку службы совершались на латыни, которую понимало все меньше и меньше прихожан, священникам приходилось изобретать способ инсценировать литургию.

Начиная с г. н. Э. До г. пятого века, мистерии, драматические события в Священных Писаниях и чудесные пьесы, изображающие жизнь святых, все чаще разыгрывались как внутри церкви, так и на церковной территории.По мере того, как они становились более сложными, они переместились на рыночную площадь.

Костюмы, которые носили в ранних религиозных драмах, были церковной одеждой. По мере того, как сценарии становились более светскими, часто с участием горожан в дополнение к духовенству, мирские исполнители брали на себя ответственность за любые предметы костюма, не принадлежащие церкви. Современное религиозное искусство послужило источником вдохновения для таких персонажей, как Даниил, Ирод, Дева Мария и различные дьяволы.

Именно в эпоху Возрождения элементы декораций и костюмов стали иметь даже большее значение, чем текст.По всей Европе дворяне устраивали щедрые придворные маски и театрализованные представления, чтобы развлечь своих гостей. В костюмах изображены боги, животные и мифологические существа, а также такие эмоции, как надежда и радость. Дизайнеры этих торжеств — Леонардо да Винчи и Иниго Джонс.

The Commedia Dell’Arte

Комедия дель арте, разновидность популярной уличной комедии, возникла в Италии в шестнадцатом веке. Группы странствующих актеров представляли в основном импровизированные пьесы по всей Италии и Европе.

Подобно греческим комедиям (с которыми, как считается, связана комедия), актеры комедии изображали обычных персонажей, которых можно было узнать по их маскам и традиционным костюмам. Панталун, архетипичный неуверенный старик, часто носил широкие брюки, которые теперь носят его имя. У хитрой служанки Бригеллы было пальто в горизонтальные зеленые полосы — предшественник британской ливреи девятнадцатого века. Среди других комических персонажей — Арлекино, или Арлекин, Иль Доттор, педантичный академик, всегда одетый в черное, и Иль Капитано, трусливый испанец.Серьезные персонажи комедии, две пары влюбленных и служанка, были одеты в современную одежду.

Работы Уильяма Шекспира, Жана-Батиста Мольера и Жана-Антуана Ватто свидетельствуют о влиянии этого важного популярного вида искусства.

От шестнадцатого до восемнадцатого века

Костюмы для пьес Шекспира представляли собой смесь различных периодов, которые публика приняла как стандартную традицию. Большинство партий было исполнено в современной одежде, принадлежащей актеру (все мужчины) или предоставленной патроном театра.Иногда шлем или нагрудник могли указывать на солдата. Феи и нимфы могут носить классические драпировки.

Тот же принцип применим к костюму в семнадцатом и восемнадцатом веках. Большинство актеров и особенно актрис одеты максимально модно. Тюрбан указывал на восточный характер. Шлем с плюмажем символизировал солдата. Артисты предоставили свой гардероб, за исключением специальных предметов, предоставленных театром.

Девятнадцатый и начало двадцатого века

Уильям Террисс в роли короля Генриха VIII.1895

Период между 1770-ми и 1870-ми годами был отмечен стремлением к исторической точности в дизайне костюмов. Поскольку путешествия стали относительно проще, отчеты, как письменные, так и визуальные, расширили знания людей о других культурах. Международные выставки, такие как выставка «Хрустальный дворец» в Лондоне в 1851 году, познакомили публику с материальной культурой экзотических мест. Они хотели, чтобы то, что они видели и читали, отразилось на сцене.

В немецком княжестве Саксен-Майнинген герцог Георг II основал собственную театральную труппу под названием «Майнингеры».Герцог использовал все доступные ресурсы для создания аутентичных костюмов для своих актеров.

«Майнингеры» много гастролировали по континенту, и стиль их постановок оказал большое влияние на такие бастионы реализма XIX века, как Театр Либр в Париже и Московский Художественный театр в России. В Соединенных Штатах постановки импресарио Дэвида Беласко отразили его восхищение этим новым реалистичным стилем.

Последовала неизбежная реакция. В России, приведу лишь один пример, художники-конструктивисты создавали очень концептуальные костюмы, единственное отношение которых к одежде заключалось в том, что их носили люди.

В конце концов оба стиля были признаны действительными, что привело к смешению исторически точных или концептуальных постановок, которое продолжается и в двадцать первом веке.

Текущая практика

Театральные костюмы созданы по сценарию. Если в тексте центральное место занимают реализм или историзм, костюмы будут точно отражать одежду, соответствующую эпохе или окружающей среде. Примеры включают The Master Builder Хенрика Ибсена, который требует одежды начала 1890-х годов, или The Changing Room Дэвида Стори, который призывает к униформе и уличной одежде, подходящей для группы игроков в регби на севере Англии.

Другие скрипты требуют более вычурного подхода. Шекспировский The Tempest должен быть установлен на острове, но этот остров может быть где угодно в мире. Просперо и Миранда могут жить в любое время, согласованное директором и командой дизайнеров.

Влияние костюма на модное платье

В то время как костюм из кинофильма часто влияет на модную одежду, театральный костюм почти никогда не влияет. Фильм смотрят миллионы людей по всей стране в первую неделю после его выхода.Напротив, средний бродвейский театр может вместить только восемь тысяч человек за один и тот же недельный период.

Более того, обычно между окончанием съемок и выпуском фильма проходит промежуток в год и более. В этот промежуток времени модные журналы и другие периодические издания могут выпускать развороты, демонстрируя костюмы, создавая потребительский спрос. Исторически сложилось так, что киностудии, производители, универмаги и компании по пошиву одежды вступали в партнерские отношения, чтобы продвигать как пленку, так и готовую одежду (или готовую к пошиву), вдохновленную фильмом.

Классический пример — платье «Летти Линтон», которое Джоан Кроуфорд носила в одноименном фильме 1932 года. По общему мнению, с момента выхода фильма было продано более 500 000 копий дизайна Адриана по любой цене. В 1967 году костюмы Теодоры фон Ранкл для Bonnie и Clyde вызвали тенденцию к стилям возрождения 1930-х годов, которые были так популярны в конце 1960-х годов. Костюмы Рут Морли для Дайан Китон произвели двойников Энни Холл и двойников в Соединенных Штатах и ​​Европе в конце 1970-х годов.

Еще одна причина, по которой между театральной одеждой и уличной одеждой может быть мало связи, — это масштаб. Костюм разработан таким образом, чтобы его можно было видеть с расстояния тридцати или сорока футов. Детали преувеличены, чтобы их было видно. Фильм, напротив, в основном основан на крупных планах. Костюмы для кино должны быть «настоящими» в отличие от успешных театральных костюмов.

Есть несколько исключений, но они редки. Красный костюм, разработанный Патрисией Зиппродт для бродвейской постановки 1969 года Нила Саймона Plaza Suite , впоследствии был изготовлен для Бергдорфа Гудмана.В 2002 году Bloom-ingdale’s представила коллекцию одежды больших размеров, основанную на дизайне Уильяма Айви Лонга для мюзикла «Лак для волос ».

Аудитория театрального мероприятия настолько мала по сравнению с количеством людей, которые смотрят фильмы, что экономически нецелесообразно использовать театр в качестве источника дизайна. Современная одежда для сцены может отражать модную одежду, но не влияет на нее.

Особые требования

Танцевальная обувь требует гибкости

Театральный костюм, прежде всего, предназначен для движения.Проймы вырезаются выше, чем в одежде массового производства, чтобы актер мог поднять руки, а вся одежда не следовала за ним. Промежность обрезана выше, чтобы можно было делать удары, не расслаивая швы.

Костюмы должны быть достаточно прочными, чтобы выдерживать восемь носков в неделю в течение месяцев или даже лет при нечастой чистке или стирке. Если сценарий требует «быстрой смены», что означает, что исполнитель полностью меняет одежду менее чем за минуту, костюм будет сконструирован таким образом, чтобы облегчить эту смену.Например, чтобы быстро сменить рубашку, поверх петель пришиваются пуговицы. Рубашка закрывается на кнопки или липкую ленту, так что ее можно буквально оторвать от исполнителя.

Обувь для танцоров должна иметь достаточно тонкую подошву, чтобы танцор мог сгибаться и указывать ногу. При изготовлении на заказ предпочтительным материалом является кожа лося.

Тенденции и изменения

Для создания театральных костюмов используются натуральные волокна (хлопок, лен, шелк и шерсть). Синтетика не обрабатывается и не драпируется, как натуральные волокна.При этом, однако, разработка новых материалов оказала огромное влияние на отрасль.

До конца 1950-х, например, колготки танцовщиц изготавливались из эластичного хлопка, предназначенного для провисания и сумок, или же были вязаными и склонными к беготне. Изобретение лайкры, спандекса и других материалов, растягивающихся в обе стороны, устранило эти проблемы. Плетеный нейлоновый конский волос можно использовать для изготовления ершей, имитирующих накрахмаленные оригиналы из льняной ткани, но сохраняющих свою форму при стирке.

Ни одна фирма не производит ткани исключительно для костюмов.Рынок слишком мал. Однако покупатели чрезвычайно изобретательны, открывая для театральных целей изделия, предназначенные для других целей. Veri-form, например, торговая марка термопластичного полотна, представляет собой сетку с открытым переплетением, используемую хирургами-ортопедами для изготовления легких слепков. Из него получаются отличные доспехи и маски, нетоксичен и с ним легко работать.

Пластиковая сетка, используемая для вентиляции бейсболок, делает кринолины прочными и недорогими. Кондиционер и другие типы пенопласта можно вырезать и вылепить, чтобы сформировать основу легкого талисмана или других костюмов, которые выше и шире, чем актер внутри них.Птичий корм в костюме для тела отлично подходит для имитации движения обвисшей груди.

Самым значительным достижением в этой области за последние двадцать лет, несомненно, стало повышение осведомленности о вопросах здоровья и безопасности. Еще в 1970-х и дизайнеры, и производители костюмов обычно обрабатывали ткани высокотоксичными красками, растворителями и клеями, не понимая связанных с этим рисков. В двадцать первом веке доступны не только менее токсичные продукты, но и паспорта безопасности материалов, респираторы, окрасочные камеры и другие защитные устройства являются нормой.

В то время как материалы продолжают развиваться, а стили дизайна костюмов входят и выходят из моды, принцип остается неизменным. Как писал Роберт Эдмонд Джонс в 1941 году: «Сценический костюм — это творение театра. Его качество чисто театральное, и вне театра он сразу теряет свое волшебство. Он умирает, как умирает растение, когда вырывается с корнем» (стр. 91). .

См. Также Актеры и актрисы, Влияние на моду; Искусство и мода; Балетный костюм; Театральный грим.

Библиография

Бибер, Маргарет. История греческого и римского театра. Princeton, N.J .: Princeton University Press, 1961.

Чейни, Шелдон. Театр: три тысячи лет драмы, актерского мастерства и сценического искусства. Нью-Йорк, Лондон и Торонто: Longmans, Green and Co., 1952 г.

Гаскойн, Бамбер. Мировой театр: иллюстрированная история. Бостон и Торонто: Литтл, Браун и Ко, 1968.

Джонс, Роберт Эдмонд. Драматическое воображение. Нью-Йорк: Театральное искусство, 1941.

Джеймс Лейвер. Костюм в театре. Нью-Йорк: Хилл и Ван, 1965.

Молинари, Чезаре. Театр сквозь века. Нью-Йорк: McGraw Hill Book Company, 1975.

Дресс-код: что надеть на ночь в театре

Решение о том, как одеться, всегда зависит от личных предпочтений. Это полностью зависит от вашего настроения, от того, чем вы занимаетесь изо дня в день, и от того, в каких ситуациях вы окажетесь.Но есть несколько случаев, когда решение, что одеться, немного сложнее, опираясь на дресс-код, а не вытаскивая что-то из своего гардероба в спешке, чтобы выйти за дверь утром.

Как одеваться для театра

Один из таких случаев — когда вы идете в театр. В отличие от ночи в кино, ночь в театре означает, что вы будете сидеть перед группой талантливых актеров , лично , что, как правило, требует проявления определенного уровня уважения к их мастерству и месту проведения. .Итак, есть ли у вас билеты на мадам Баттерфляй на Бродвее или вы поддерживаете местные театральные труппы, вот несколько советов о том, что надеть на театральное представление.

Перво-наперво. Если вы не смотрите представление в очень современном зале, скорее всего, в зале станет немного теплее. По этой причине рекомендуется выбирать легкую одежду, которую можно «снимать» и снимать по своему усмотрению. Наденьте легкий кардиган или свитер и не берите с собой объемное пальто: его не будет много места для хранения, и вы перегреетесь, если будете держать его на коленях во время выступления.

В центре внимания обувь и аксессуары

Кроме того, в театр всегда стоит надевать туфли с закрытыми носками, потому что, как правило, кто-то занимает свое место после начала представления, карабкается по проходу и наступает всем на ноги! Защищайте пальцы ног и держите ступни под стулом, если соседу нужно протиснуться мимо вас.

Тщательно продумайте аксессуары, когда собираетесь наряжаться в театр. Например, перчатки и шарфы могут быть идеальными для более прохладных погодных условий, но вам придется держать их сложенными на коленях, если вы возьмете их в театр.Даже ваш выбор сумки имеет значение, так как сумка меньшего размера удобно разместится по краю вашего стула, не занимая много места. Вы же не хотите, чтобы кто-то наступал на вашу красивую сумку, точно так же, как не хотите, чтобы они наступали вам на ноги.

Это больше, чем ваша одежда

А как насчет старой традиции наряжаться? Что ж, вы можете, если хотите, но, как правило, это уже не то, что нужно «готово». Если сегодня премьера бродвейского шоу, неплохо одеться как можно лучше, а после этого выбрать вечернюю одежду, которая подойдет для модного ресторана.Но если вы посещаете вечернее шоу, которое продолжается какое-то время, или смотрите что-то вроде лака для волос или шоу ужасов Рокки Хоррора, вы можете нарисовать несколько необычных образов в коктейльном платье.

Однако, когда дело доходит до того, чтобы показать «себя как можно лучше» в театре, верно одно: дело не в том, что вы носите, а в том, как вы себя ведете. Носить джинсы и мятую футболку — это нормально, если вы собираетесь иметь хорошие манеры, чтобы включить беззвучный режим мобильного телефона и уделить исполнителям все свое внимание… нет смысла переодеваться, если вы не собираетесь показать уровень уважения, которого заслуживают актеры.

Итак, как вы думаете, что люди должны надеть в театр? И как вы думаете, нам следует «вернуть» традицию наряжаться для этого?

Когда Бродвей был взлетно-посадочной полосой

Марлис Швейцер

320 страниц | 6 х 9 | 47 илл.
Бумага 2011 г. | ISBN 9780812221633 | 26,50 долларов | За пределами Северной и Южной Америки £ 19,99
редакций электронных книг можно приобрести у избранных онлайн-продавцов.
Посмотреть оглавление и выдержку

«Богатый и хорошо читаемый исторический анализ отношений между бродвейским театром, модой, гендером и потреблением.Опираясь на широкий спектр первоисточников и переплетая исследования в области театра, универмагов, моды и потребительской культуры в целом, Швейцер демонстрирует мотивацию игроков, которые надеялись формировать стремления женщин и их потребительскую практику, а также обширное агентство, практикуемое сами потребители женского пола. Это история, которая ждала, чтобы ее рассказали, и Швейцер рассказывает ее скрупулезно и проницательно ». — American Historical Review

« Когда Бродвей был взлетно-посадочной полосой , дает свежий взгляд на отношения между потребительским капитализмом и театром. , универмаги и индустрии моды, и проливает новый свет на кардинально меняющиеся конфигурации пола, красоты и личности в двадцатом веке.Большое достижение! »- Нэн Энстад, автор книги Ladies of Labor, Girls of Adventure

When Broadway was the Runway исследует центральную и в значительной степени непризнанную роль рекламы Бродвейский театр в зарождении современной американской моды и культуры потребления. Задолго до того, как в Голливуде появились спектакли по красной ковровой дорожке, бродвейский театр познакомил американских женщин с новейшими стилями. В начале двадцатого века театральные импресарио захватили воображение своих в основном женщин-покровительниц, преображая сцена превратилась в великолепное место потребительского зрелища.

Театральный историк Марлис Швейцер исследует, как эти импресарио представляли платья, которые актрисы носили на сцене, а также украшения и прически, которые они выбрали, как товары, которые можно было купить в близлежащих универмагах и салонах. Шляпа «Веселая вдова», созданная для одноименной оперетты, вызвала мировое увлечение, а танцовщица Ирен Кастл стала модной знаменитостью, когда почти на десять лет предвкушала образ хлопушки 1920-х годов. Не только последние стили на сцене, но и реклама появлялась в театрах, в программах и на занавесках, в то время как журналы, такие как Vogue , боролись за право публиковать эскизы театральных костюмов и Harper’s Bazaar соблазняли читателей фото-разворотами актрис в моде.Такое сочетание зрительского интереса и потребления стало решающим шагом в формировании массового рынка потребительских товаров и подъеме культа знаменитостей.

Благодаря историческому анализу и десяткам ранних фотографий и иллюстраций Швейцер нацелен на культурное и экономическое сближение театральной и модной индустрии в Соединенных Штатах.

Марлис Швейцер преподает на факультете театра Йоркского университета.

Перейти в корзину | Просмотрите заголовки Penn Press по американской истории и американистике | Присоединяйтесь к нашему списку рассылки

Описания курсов | Технологический институт моды

SXG 001 Сертификат специалиста по дизайну костюмов и гардеробу
Этот курс является сертификатом специалиста по дизайну костюмов и гардеробу, пожалуйста, нажмите для дополнительной информации.

Фасилитатор сертификата: Джошуа Бернс, фасилитатор и инструктор, FIT’s Continuing & Профессиональные исследования; Бродвей, кино и телевидение. Гардероб и изготовление костюмов.

SXG 100 Гардероб для театра, кино и телевидения
Изучите тонкости выбора гардероба для любого типа помещения и производства, как вживую, так и в записи, в индустрии развлечений.Есть больше чем один человек, который составляет гардеробную, и их работа предполагает разные навыки наборы. Получите информацию о том, как начать работу в качестве специалиста по гардеробу или в дизайн костюма и ваш потенциал заработка. Слушайте от профессионалов в костюмах со всего Нью-Йорка и получите возможность увидеть, что на самом деле происходит в этой области.

Инструктор: Джошуа Бернс, художник по костюмам и техник, Бродвей, турне и телевидение.

SXG 115 Визуализация костюмов
Передача идеи — основная цель визуализации костюмов и моды. Проводить исследования множество методов и средств массовой информации, чтобы проиллюстрировать единый образ с головы до ног. Используя оба цифровые и традиционные медиа, экспериментируйте с рисованием, раскрашиванием, коллажем и т. д.

Первоклассный: идея для дизайна костюма с ног до головы или модный образ на рендер собственного дизайна.

Перед первой встречей на вашем компьютере должен быть установлен Adobe Photoshop.

SXG 140 Дизайн костюмов: теория и практика
(ранее назывался SXG 120 Costume Design Theory and Practice)
Эта программа охватывает методы, используемые дизайнерами костюмов для создания и размещения костюмов. для всех аспектов индустрии развлечений. Оба творческих нововведения и практические обязанности, а также важность сотрудничества и группы поддержки.Классные упражнения включают в себя составление короткого сценария для определения потребности костюма, как создать сюжет костюма и как построить туалеты персонажей.

Инструктор: Джошуа Бернс, художник по костюмам и техник, Бродвей, турне и телевидение.

SXG 150 Wardrobing: Tricks of the Trade Techniques
(Ранее назывался SXM 105 Advanced Styling: Tricks of the Trade)
Продолжать развивать арсенал профессиональных приемов, используемых стилистами, костюмами, и персонал гардероба.Важное значение придается исследованию и контексту для типов и уровни бедствия. Поверхностные и физические страдания исследуются с использованием различных специальных и подручных инструментов и принадлежностей. Студенты будут развивать свои собственные перманентные и смываемые смеси крови, взвешивающие достоинства и недостатки каждого ингредиента. Практикуйтесь, узнавая, как состарить одежду, обувь, и аксессуары.

Инструктор: Керри Гиббонс, художник по костюмам и сценографам.

SXG 175 Великие художники по костюмам
(Ранее назывался SXG 610 Великие художники по костюмам)
Неоспоримый факт, что роль художника по костюмам является ключом к созданию персонажа. распознавание и определение в том виде, в каком они изображены на пленке или на сцене, в течение нескольких минут после просмотр. Что бы Энни Холл, Холли Голайтли, Элиза Дулитл, Гордан Гекко или Фея Сахарной Сливы быть без одежды? Так же, как есть великие модельеры, есть великие художники по костюмам, чьи работы известны своим вкладом в кино, театр и танцы.Понять, кто эти гении, и чудесные персонажи, которых они воплотили в жизнь. Изучите влияние художников по костюмам такие как Эдит Хед, Уильям Айви Лонг, Сесил Битон, Коллин Этвуд, Кэтрин Зубер, и Сэнди Пауэлл, и это лишь некоторые из них, на этом познавательном и развлекательном семинаре.

Инструктор: Изабель Рубио, художник по костюмам и куратор костюмов для кино, телевидения, оперы, театр, балет, печать.

SXG 200 Дизайн костюмов: влияние моды на кино и СМИ
(Ранее SXG 130 Fashion in Film and Media)
Посмотрите отрывки из фильмов, которые повлияли на стиль одежды в последние десятилетия. Этот энергичный и увлекательная программа исследует персонажей кинозвезд, оказавших влияние на мейнстрим мода через культовые образы. Посмотрите, как создавались запоминающиеся персонажи с экрана вечный язык дизайна, который служит справочником для дизайнеров всех типов: костюмеров, стилистов и мастеров по гардеробу.Профессионалы, расширьте свои творческие перспективы и профессиональное ноу-хау. Любители моды и кино, загляните за кулисы как некоторые из самых влиятельных персонажей были созданы с помощью гардероба дизайн, выбор и изображение. Классные упражнения укрепляют связь между персонажами разработка и одежда.

Инструктор: Изабель Рубио, художник по костюмам и куратор костюмов для кино, телевидения, оперы, театр, балет, печать.

SXG 240 Дизайн костюмов: рисование в живую
(Ранее называлось SXG 140. Основы рисования в жизни для дизайна костюмов)
Если создание костюмов — ваша страсть, вы должны развить способность рисовать реальных людей — худых, низкий, высокий. Актеры и персонажи бывают самых разных форм и размеров. Научитесь выражать ваши концепции дизайна с помощью реальных методов рисования с использованием живых моделей. Работа с различными художественными материалами — углем, маркерами, карандашом, акварелью, акриловыми красками, пером и чернилами — визуализации тканей, силуэтов и стилей, которые помогают концептуализировать сущность персонажа.Настоятельно рекомендуется для студентов и начинающих дизайнеров костюмов и стилистов, а также для работающих. профессионалы, которым необходимо обновление портфолио.

Принесите к первому занятию: блокнот для рисования размером 9 x 12 дюймов или больше, карандаш, ластик, и тонкое перо Faber-Castell с черными чернилами. Обсудим необходимые дополнительные материалы: набор для акварели или акварельные карандаши, две кисти из соболя, подушечка для акварели 9 на 12 дюймов или больше и калька 9 дюймов на 12 дюймов или больше.

Инструктор: Джоан Чивертон, бывший арт-директор по рекламе; иллюстратор редакторский художник для Нью-Йорк Таймс и Уолл Стрит Джорнал.

SXG 300 Карьерный техник по гардеробу
Этот курс концентрируется на расширенных функциях гардероба, а также на практических занятиях. аспекты начала карьеры. Узнайте, как разобрать сценарий и интерпретировать персонажей. в фильме, видео или телешоу с использованием одежды и аксессуаров.Инструкция о том, как настроить грузовик и что делать во время производства, включено. Направление для также рассматриваются поиск работы и шаги, необходимые для начала карьеры, связанной с гардеробом, будь то техник или стилист. Сертифицированные студенты могут выбрать SXG 300 или SXG 310, чтобы пройти требования программы, и при желании можно взять и то, и другое.

Инструктор: Джошуа Бернс, художник по костюмам и техник, Бродвей, турне и телевидение.

SXG 310 Начало карьеры дизайнера костюмов
Этот курс концентрируется на расширенных функциях дизайна костюмов и способах получения работы и построить свое портфолио и карьеру дизайнера костюмов. Профессионалы отрасли дают вам последние советы инсайдеров о том, как начать работу в этой области.